CURTAINS

2012-01-25T20:47:00.002+01:00

REPORTAJES

EL ÚLTIMO VALS DE THE BAND

Cónclave de estrellas.

El documento que nos ocupa, y que permaneció escondido en un DVD inexplorado durante mucho tiempo, merece un sentido y honorable reportaje en este blog. Se trata de “The Last Waltz” (78), un film de Martin Scorsese, sí, el mismo, el de “Malas Calles” o “Taxi Driver”. La relación de Scorsese con la música es ya de sobra conocida, y quién mejor que él para inmortalizar la despedida de una de las bandas más reconocidas y respetadas del rock, la banda absoluta: THE BAND. Robbie Robertson, Levon Helm, Rick Danko, Richard Manuel y Garth Hudson bailaron su último vals juntos el Día de Acción de Gracias de 1976 en San Francisco. Y no bailaron solos, qué va. A la fiesta de despedida acudió todo un firmamento de mitos vivos del soul, el folk, el blues y el rock: Ronnie Hawkins, Dr. John, Muddy Waters, The Staples, Neil Young, Joni Mitchell, Emmylou Harris, Paul Butterfield, Neil Diamond, Eric Clapton, Van Morrison, Ringo Starr, Ron Wood y Bob Dylan. Como dirían en mi tierra, casi ná.

Una no es muy aficionada a este tipo de shows de congregación y autohomenaje, pero hay que reconocer que “The Last Waltz” es un inestimable tesoro, un compendio integral que debería agregarse como anexo a la mejor enciclopedia sobre la historia de la música popular. A la película, de gran acierto visual y aderezada con pequeñas entrevistas a los miembros de la banda (bien abotargados por el alcohol, por cierto), se le puede achacar únicamente la artificialidad a la que ya estamos acostumbrados con este tipo de formatos: que no se respete la cronología ni la integridad del concierto. Pero vaya, es ponerle pegas porque sí. Porque aunque la banda de Toronto es la auténtica protagonista, este documento aporta varias ideas para la reflexión. En primer lugar, muestra la imagen macerada y consolidada de todos aquellos jovencitos que se atrevían a desafiar las reglas en los 60, que quisieron cambiar el mundo a través de la música. En segundo lugar, hay numerosos momentos en los que el blues más auténtico y ancestral burbujea sobre el escenario, blues mayormente interpretado por músicos blancos.

The Band dieron un giro a la música de raíces a través de álbumes tan notables como “Music From Big Pink” (68), “The Band” (69) o “Stage Fright” (70). Sus mejores temas están presentes aquí, como las enormes “Don´t Do It”, “Up On Cripple Creek”, “The Shape I´m In”, “It Makes No Difference”, “The Weight”, “Stage Fright”, “The Night They Drove Old Dixie Down” y “Ophelia”. Pero son los momentos compartidos los que aportan otra visión, una visión histórica, mítica y comunal de la música: como ese “Helpless” de Neil Young con Joni Mitchell a los coros, el “Who Do You Love?” de Bo Diddley en la voz de Ronnie Hawkins, la inmaculada “Such A Night” de Dr. John, el virtuoso mano a mano Robertson-Clapton en “Further On Up The Road”, la armónica de Paul Butterfield maqueando “Mystery Train”, el entrañable cameo de Neil Diamond con “Dry Your Eyes”, el desmelene de Van Morrison en “Caravan” o una concentradísima Joni Mitchell desenredando la mágica “Coyote”. Tampoco hay que olvidar las dos grabaciones paralelas añadidas: el lujoso acompañamiento de la familia Staples en “The Weight” y la cálida versión de “Evangeline” junto a una angelical Emmylou Harris. Y por supuesto, qué gran momento el del admirable Muddy Waters, marcando los tempos de “Mannish Boy” como el gran maestro del blues que es, y qué gran aparición la de Bob Dylan exhibiendo “Forever Young” y “Baby Let Me Follow You Down” junto a sus eternos amigos. La guinda final reúne a casi todos los participantes (más las baquetas de Ringo Starr y la guitarra de Ron Wood) en una interpretación colectiva emocionantísima de “I Shall Be Release”.

La despedida era mentira: The Band regresaron a la escena en 1983, aunque sin la peculiar guitarra de Robertson. Alegría para los fans, pena para los románticos, pues la historia debería detenerse justo aquí, con este hermoso y solemne baile.

http://www.theband.hiof.no/

2012-01-23T12:29:00.005+01:00

DISCOS

A JIGSAW. Drunken Sailors & Happy Pirates.

La llama que se apaga.

Ponía la mano en el fuego por este disco. Pensaba en una digna continuación para el sabroso, lozano y exqusito “Like A Wolf” (2010). Y sin embargo, la banda lusa parece haberse estancado en un terreno lleno de barro, tratando de arrancar el motor de su 4*4 en vano. ¿Por qué dar un paso atrás cuando lo más difícil ya estaba hecho?. Lo más difícil era cruzar la línea del underground profundo, ese al que muy poca gente desciende, límite de flotación ampliamente sobrepasado con su anterior trabajo. “Drunken Sailors & Happy Pirates” (2012) se aferra a las mismas referencias que aquel (el blues y el folk siguen oliéndose a millas de distancia), pero de un modo menos ambicioso y más estático. La frugalidad da paso al aburrimiento, la modestia da paso al anonimato. Es cierto que la cálida entrada de “The Strangest Friend”, el sabor fronterizo de “My Name Is Drake”, la dolorosa “Remember When” o ese rotundo himno marcial llamado “Rooftop Joe” protagonizan momentos gratamente aprovechables, pero este disco es hijo de una cadena de producción, con canciones de un patrón estándar, sacadas del mismo horno y marcadas con el mismo hierro. Al final queda una sensación de estancamiento, aunque espejismos folclóricos como “Lovely Vessel” se empeñen en abrir pequeñas ventanas de esperanza. Faltan el contrapunto de la voz femenina, todos aquellos arreglos e instrumentos, la alegría de “Red Pony” o el vigor de “My Blood”. La llama se está apagando, que alguien la avive, por favor.

http://www.ajigsaw.net/

www.myspace.com/ajigsaw

2012-01-18T20:16:00.001+01:00

CANCIONERO

THE GO-BETWEENS. The House That Jack Kerouac Built.

Que empiece el año con buena música. Que empiece el año con una gran canción. Esa canción que suena de repente en el coche, a las 8 de la mañana, de camino al apestoso trabajo, en medio de un atasco que no quieres que termine nunca. “The House That Jack Kerouac Built” ha sido la banda sonora del 18 de enero de 2012, la absoluta obsesión del día. El envidiable catálogo de los australianos está lleno de momentos álgidos, pero esta es, con permiso de “The Streets of Your Town”, su canción total. Oscura e intensa sin perder un ápice del romanticismo crónico que regaba todos los trabajos de la banda. Esos chelos abriendo camino a las guitarras, la convincente alocución de Robert Forster cantando a uno de sus temas recurrentes (el amor) en clave de literatura poética, y alimentándose de símbolos sacados de las novelas de uno de sus escritores favoritos. Una muestra de inteligencia subliminal que demanda una lectura entre líneas. Una canción que hace si cabe más grande su disco “Tallulah” (87), aunque ¿hay algún disco de estos tipos que no sea grande?.

THE HOUSE THAT JACK KEROUAC BUILT

You and I together, with nothing showing at all,

In a darkened cinema, I’ll give you pleasure in the stalls

Want to give you tenderness, and my affection too

If it’s through clenched teeth, that’s what you driven me to

I want us to be lovers, I want us to be friends

Want it like, it’s the living end

Keep me away from her

With your kittens on the patchwork quilt,

Oh no, what am I doing here, in the house Jack Kerouac built

There’s white magic and bad rock’n’roll,

Your friend there says, he’s the gatekeeper to my soul

The velvet curtains, the chinese bell

With friends like these; you’re damned as well

Keep me away from her

Shake off your despondency, and your country girl act

You are reading me poetry, that’s irish and so black

I know you’re warm, the warmest person alive,

But are you warm deep down inside?

I want us to be lovers, I want us to be friends

I want it like, the world crumbles and then it ends

Keep me away from her

Baby, I’m lonely

You’re on the road with a bad crowd

www.go-betweens.net

2012-01-09T18:50:00.002+01:00

REPORTAJES

REVISIÓN 2011 (PARTE 2)

Los discos que se quedaron fuera.

ADAM COHEN. Like A Man.

Este sí que tiene que ver con Leonard, y mucho. El hijo del ilustrísimo ha tardado siete años en alumbrar una nueva referencia en solitario. “Like A Man” no tiene nada del otro mundo; es folk de andar por casa, mucha guitarra acústica condimentada con pellizcos de teclado y coros femeninos. Un poco de Nick Drake por acá, otro poco de Paul Simon por allá. Un disco sin riesgo ni sorpresas, con aroma a clásico, portador de todos los tópicos habidos y por haber sobre el amor en sus letras. Porque está claro que es un disco de amor, quizá demasiado infantil y edulcorado. Aunque también es un disco inocente, aceptable e incapaz de agredir a nadie. A los que se hagan la gran pregunta: no, Adam no sigue para nada los pasos de su progenitor.

BON IVER. Bon Iver.

Difícil lo tenía Justin Vernon después del loado y considerado debú con “For Emma, Forever Ago” (2007). Así que, para no estrellarse, decide girar y emprender un nuevo rumbo. Un rumbo parecido al elegido por Sam Beam (Iron & Wine). Un álbum en el que las líneas del folk se diluyen, sumergiéndose en atmósferas cargadas y ambiciosas, no exentas de una belleza que hay trabajarse a base de oído. La inicial “Perth” ya es toda una sorpresa, un acercamiento al post-rock de un tipo del que jamás habríamos esperando semejante cosa. Sin embargo, los mejores momentos son aquellos que, pese a verse amenazados constantemente por el diente de la vanguardia, consiguen conservar su esencia elemental: como las preciosas “Holocene”, “Michicant” y “Wash”. Y todo esto le vale una nominación a los Grammy, toma ya. Valiente entuerto en el que te han metido, amigo.

DOLOREAN. The Unfazed.

Dolorean son esa banda americana como tantas otras, como South San Gabriel, Richmond Fontaine, The Magnolia Electric Co., Lambchop o Pernice Brothers. Bandas que, influidas por la tradición sureña de su país, permanecen bajo la agradable sombra de un árbol sin hacer más ruido del necesario. Pero a veces esas bandas pueden ofrecerte una canción que cambia tu perspectiva para siempre. Ya pasó con otras y ahora pasa con ellos. Pasa con “Thinskinned”, “Hard Working Dogs”, “Fools Gold Ring” y “These Slopes Gave Me Hope”, canciones incluidas en el cuatro LP de los de Portland, aparentemente inofensivas pero de profundo calado espiritual. Es el canto del pájaro, cosecha en un campo fértil, historia y sabiduría. Es americana sin trampa ni cartón: pan de hace tres días para los duros de mollera, manjar exquisito para los amantes de lo justo y necesario.

FEIST. Metals.

Bravo por Leslie Feist. Cuando el éxito llama a la puerta principal, ella se escapa por la de servicio. Eso demuestra tener mucha personalidad. Tanta como tiene su nueva entrega, un reclamo para paladares exquisitos y una venganza contra la radiofórmula. En “Metals” la canadiense se arroja a los brazos del folk, el jazz, el soul y el country, aunque tampoco está mal disfrazarse de PJ Harvey, a la que emula a la perfección sin pretenderlo en las intrigantes “The Bad In Each Other”, “A Commotion” y “Undiscovered First”. La otra cara de la moneda son cortes intimistas, trémulos y elegantes que acarician como la seda. No hay nada menos comercial ni más hermoso que “Graveyard”, “Caught A Long Wind”, “The Circle Married The Line”, “Anti-Pioneer”, “Cicadas and Gulls” o “Comfort Me”. Disco enorme y nueva etapa.

JEFFREY LEWIS. A Turn In The Dream-Songs.

Jeffrey Lewis se merece justicia. Ya es hora de prestarle atención, de ponerlo en el sitio que le corresponde. Él pertenece a una casta muy especial, esa casta de músicos económicos y agridulces que con cuatro instrumentos, mucha imaginación y sinceridad consiguen ganarse las simpatías del oyente más minimalista y sensible. “A Turn In The Dream-Songs” es una buena razón, un gran salto hacia delante. Basta con escuchar la primera canción, “To Go And Return”, con esos deliciosos puntos de mandolina, violín y saxo, para sucumbir a la necesidad: inmejorable comienzo para un álbum lleno de familiaridad, de mensajes extraños y a la vez entrañables. A esta ceremonia se apunta todo quisqui: miembros de The Wave Pictures, The Vaselines, Au Revoir Simone o Dr. Dog colaboran en una obra simpática y hogareña, donde el folk (¿o mejor anti-folk?), el country y el pop conviven en grata armonía. Ahora o nunca.

JOE HENRY. Reverie.

La música le debe mucho a este hombre. Él es un eslabón perfecto entre culturas, mundos y generaciones. Su forma de exhumar a los genios del jazz y el blues, aquellos hombres y mujeres que sudaron tinta en clubes de mala muerte, ejemplifica el tópico de la inmortalidad. Bienvenidos seáis, Billie Holiday, Louis Armstrong, Ella Fitzgerald o Robert Johnson, a este banquete sin recato. “Reverie” es la continuación lógica tras los exquisitos “Civilians” (2007) y “Blood from Stars” (2009). El cuñado de Madonna no tiene nada nuevo que ofrecer, pues es concienzudo con su credo. ¿Y quién mejor que él es capaz de unificar blues, jazz y country en un objeto de una sola pieza?. “Odetta”, “Grand Street”, “Deathbed Version” y “Eyes Out of You” encabezan su ristra de invocaciones, resultando difícilmente superables. La deuda del hoy con el ayer queda bastante clara.

MICK HARVEY. Sketches from The Book of Dead.

Una reputación inmaculada avala al ex-Bad Seeds. Aparte de sus labores generosas para otros (gran aportación la suya a “Let England Shake” de PJ Harvey, uno de los mejores discos del recién cerrado año), el australiano guarda una buena tanda de cartas en la manga. Cartas que va lanzando al tapete poco a poco; cuatro años han pasado desde su último “Two of Diamonds” (2007). Este quizá no sea su mejor trabajo, pero sí el más ambicioso. Un disco dedicado íntegramente a ese ceñudo amigo que nos espera al final del camino: la muerte. Intimista y reflexivo en general, hace sucumbir en sus momentos más ásperos: como esas “October Boy”, “Frankie T & Frankie C” o “Famoust Last Words” que nos hacen recordar irremediablemente la gran banda a la cual perteneció, a la vera de ese genio del que una vez fue fiel escudero.

MOON DUO. Mazes.

Hace poco hablábamos de Wooden Shjips. Pues bien, Moon Duo es el otro proyecto de Erik “Ripley” Johnson junto a su compañera Sanae Yamada. El mismo perro pero con distinto collar. Más loops, psicodelia, hipnosis y cuelgue colectivo. “Mazes” es su primera colección completa de canciones, y con ellas consiguen un efecto ya familiar. Teclados humeantes y repetitivos que se prolongan hasta el infinito, sobre los que cabalgan guitarras reverberantes, densas y azarosas. En “Seer” o “In The Sun” apenas se aprecia la diferencia entre un nombre y el otro, aunque aquí la voz de Johnson aparece más nítida, regresando de aquella galaxia tan lejana. Y aunque el manto psicodélico nunca desaparezca, también hay finos acercamiento al power pop, garage y punk en las infecciosas “Mazes”, “Fallout”, “When You Cut” o “Run Around”. Otro viaje de muchos kilómetros y gratis.

THE WAR ON DRUGS. Slave Ambient.

Y para acabar, ¿el mejor disco de 2011?. Con permiso de PJ Harvey, Jesse Sykes, Anna Calvi, The Cave Singers y Kurt Vile, por supuesto. Y hablando de Kurt Vile, mentira parece que ya no sea el socio de Adam Granduciel, pues “Slave Ambient” rebosa de su impronta por los cuatro costados. Si “Wagonwheel Blues” (2008) era magnífico, este incluso lo supera. Se sigue sintiendo la presencia de Bob Dylan y Bruce Springsteen, sumergidos en baños de feedback, sonidos clásicos que flotan dentro de una cápsula espacial. Un apretón de manos entre el rock primitivo y las nuevas tecnologías, con un meridiano ejemplo en la rotunda “Your Love Is Calling My Name”. He aquí una obra suprema, vigorosa y visionaria, que puede devorarse de un bocado y sabe a gloria. Como los bucles de “Best Night”, la digestiva “Brothers”, el piano generoso y armónica final de “I Was There”, los ritmos atávicos de “Come To The City”, los paisajes acústicos pintados en “It´s Your Destiny”, el frenesí épico de “Baby Missiles” o la frescura sin maquillaje de “Blackwater”. Prueba y compara. O mejor no compares, pues no hay nada semejante en la actualidad.

2012-01-03T19:56:00.001+01:00

REPORTAJES

REVISIÓN 2011 (PARTE 1)

Los discos que se quedaron fuera.

Tras un 2011 algo atípico, lleno de hiatos y paréntesis, aquí está la recopilación habitual de discos para los que no hubo hueco en CURTAINS a lo largo del año. No perdamos las buenas costumbres.

BLACK JOE LEWIS & THE HONEYBEARS. Scandalous.

Todo el mundo habla de Eli “Paperboy” Reed, pero ¿qué pasa con Joe Lewis?. ¿Acaso no estamos ante un monstruo del soul y el rhythm and blues?. Ah claro, es que es negro, y que los negros hagan soul y rhythm and blues no tiene nada de extraordinario. Pero es que este tipo lo hace especialmente bien, sonando rabiosamente actual sin perder la esencia original. “Scandalous” es un catecismo absoluto del género, brillando sobremanera canciones como “I´m Gonna Leave You”, “She´s So Scandalous”, “Mustang Ranch” o “You Been Lying”. Este último tema cuenta con la inestimable colaboración de las brillantes voces gospel de The Relatives. Si James Brown y Wilson Pickett levantaran la cabeza, darían su visto bueno sin dudar.

CASS McCOMBS. Humor Risk.

En 2011 Cass McCombs se apunta al 2x1, que por algo estamos en crisis. Tras el profundo “Wit´s End”, vuelve a sorprendernos con otra referencia en tiempo récord. Mientras que en su primer disco del año se enfundaba el traje de los domingos, en este “Humor Risk” toca vestir casual. Cass engrasa los pistones y echa más carbón, mostrándose gratamente roquero en las espectaculares “Love Thine Enemy” y “Mystery Mail”. “The Living Word”, “To Every Man His Chimera” y “Meet Me at The Mannequin Gallery” vuelven a poner en valor su potencial como intérprete soul, y “Robin Egg Blue” y la extraordinaria “The Same Thing” (la mejor canción del año o casi) resucitan su alianza con el folk. Para cerrar, una pieza insólita, misteriosa y perturbadora llamada “Mariah” deja las puertas abiertas de par en par. América es suya y para él no hay fronteras.

DEATH CAB FOR CUTIE. Codes and Keys.

La banda de Ben Gibbard sigue en su sitio: en el punto medio, entre el todo y la nada, entre lo clásico y lo moderno, entre lo mediático y lo underground, en un cómodo y accesible purgatorio. Siguen esforzándose por lograr la canción de pop perfecta, y en su séptimo álbum están a un pelo de conseguirlo. Bastante cerca en “Home Is a Fire”, “Codes and Keys”, “Doors Unlocked And Open” y “St. Peter´s Cathedral”. Muy cerca, prácticamente rozándolo en la espectral y bellísima “Unobstructed Views”, con la que incluso ponen un pie en el Olimpo Radiohead. “Narrow Stairs” (2008) dejó el listón muy alto, pero siguen progresando adecuadamente.

DEUS. Keep You Close.

El antes y después de los belgas queda confirmado en este nuevo disco. El después del cambio en la tripulación ya es una realidad, y los dEUS de ahora no son los de “Suds and Soda”; ahora hay menos recovecos y más glamour. Aún así, las referencias no cambian: J.J. Cale, Captain Beefheart, Tom Waits e incluso Pink Floyd. “Keep You Close” se hace más amigable a cada escucha; ahora se atreven a añadir rellenos orquestales, presentes en la obertura homónima y en esa inquietante pieza final llamada “Easy”. También son capaces de acercarse al jazz y al soul, ponerse góticos o industriales, rubricando un sonido que ya va siendo marca de la casa. Y como ocurriera con “The Arquitect”, aquí también hay un anzuelo chispeante y muy bailable (“Constant Now”) al que pocos pececitos podrán resistirse.

MARISSA NADLER. Marissa Nadler.

Hablábamos hace poco de jóvenes mujeres tocadas por los dedos de las hadas, y en la lista faltaba Marissa Nadler. Su quinto trabajo nos vuelve a traer melancolía a raudales y minimalismo antiséptico. El puro fluir de los sentimientos, bello y cristalino, agazapado en los recodos de cada acorde, con la figura de Hope Sandoval reflejada al otro lado del espejo. Los amantes de las formas folk más sencillas encontrarán aquí un álbum sin desperdicio, y celebrarán el poder sanador de temas como “The Sun Always Reminds Me of You”, “Baby I Will Leave You In The Morning”, “Wedding” o “Daisy, Where Did You Go?”.

OKKERVIL RIVER. I Am Very Far.

Comienza a sonar “The Valley” y pienso que han decidido tirar la casa por la ventana. Pero luego llega “Piratess” y pienso que se han vuelto locos. Por suerte “Rider” y “Lay of The Last Survivor” los devuelven a los parámetros tradicionales, y “White Shadow Waltz” lanza un destello de luz. Con “We Need A Myth” y “Hanging from A Hit” se me ocurre que, sin una razón concreta, prefiero a Shearwater. Pero “Show Yourself” y “Your Past Life as A Blast” confirman que pueden ofrecer grandes canciones, aunque a veces las desenfoquen en demasía. “Wake And Be Fine” me hace preguntarme por qué todos los grupos de ahora se empeñan en parecerse a otros. Y mientras me dejo envolver por el bello desenlace de “The Rise” (muy Fleet Foxes, por cierto) concluyo que posiblemente ya no vuelva a escuchar este disco nunca más. Al cajón y a otra cosa, mariposa.

SONNY & THE SUNSETS. Hit After Hit.

El inquieto y polifacético Sonny Smith no puede esconder sus referentes musicales. Canciones sacadas del álbum de recortes de los sesenta, polaroids de The Kinks, The Rascals, Manfred Mann o The Troggs. “Hit after Hit” es fiel a su nombre, pues cada tema es un acierto que despierta añoranzas y se pega a la ropa. Difícil deshacerse del aroma retro que desprenden las espectaculares “She Plays Yo Yo With My Mind” y “Teen Age Thugs” o los cuasi-instrumentales “The Bad Energy from L.A. Is Killing Me” y “Acres of Lust”. Y todo cubierto por un encantador manto de amateurismo, a baja fidelidad y con mínimos recursos. Buscando (y encontrando) en el baúl de los recuerdos.

THE DODOS. No Color.

Tras el pequeño traspiés que supuso “Time To Die” (2009), The Dodos volvían en 2011 con una posible revancha. ¿Levantando el vuelo?. Pues no del todo. “No Color” tiene algunos momentos apetecibles pero muchas grietas. “Black Night”, “Good” o la encantadora “Companions” (con guitarreo introductorio a lo Paco de Lucía) intentaban remontar, pero sin despegar muchos metros del suelo. Pese a todo, a estos chicos hay que darles un aplauso: por el esfuerzo físico que suponen esas torturas guitarriles y ritmos imposibles, por sonar tan originales, caníbales y primitivos. Portando su propia bandera, hablando un dialecto único y sin casarse con nadie. Bueno sí, en esta ocasión con Neko Case, invitada ilustre aunque un tanto infrautilizada.

THE FEELIES. Here Before.

Ha llovido mucho desde “Crazy Rhythms” (80). Tanto que casi no esperábamos degustar un nuevo largo de Glenn Mercer y compañía, pero aquí está. ¿Quién puede resistirse a otros cuantos minutos de gloria?. En este disco su sonido se vuelve mucho más estándar y comedido, pero siguen siendo alguien. “Here Before” transcurre sin sobresaltos, no epata pero tampoco incomoda, es ligero y homogéneo, de tarifa plana. Ninguna canción destaca sobre las demás, todas se ayudan, se complementan y guardan el debido respeto. “Way Down”, “Change Your Mind” y la velvetiana “On and On” asoman un pelín la frente entre tanta melodía perfecta y guitarra burbujeante. Tan difícil es hacer un disco bueno como uno tan inmensamente proporcionado. Un placer tenerlos aquí de nuevo.

THE LEISURE SOCIETY. Into The Murky Water.

“The Sleeper” (2009) presentaba a The Leisure Society como la nueva esperanza británica, otro de esos grupos de las islas capaces de hacer sombra a las bandas americanas noveles. Un disco que adolecía de exceso de edulcorante y falta de músculo. Exactamente lo mismo ocurre con su segundo trabajo, un quiero y no puedo flagrante, pese a comenzar con una asombrosa pieza de orfebrería instrumental (“Into The Murky Water”). Los adornos generosos de flautas y violines consiguen dar un toque de folclore agradecido a temas como “You Could Keep Me Talking” y “This Phantom Life”, pero mejor cuanto más serenos, lánguidos y a medio tiempo. “I Shall Forever Remain An Amateur” y “Just Like The Knife” sí que dan la talla, logrando captar el interés entrados ya los postres.

THURSTON MOORE. Demolished Thoughts.

Puede que haya crisis personal, profesional o matrimonial, pero ¿crisis creativa?. Nunca. Thurston ha sido siempre la dinamo de Sonic Youth y sus discos en solitario lo corroboran. Aquí aparece el Thurston más desnudo, pero el Thurston de siempre. ¿O no resultan familiares muchas de las estrofas de este disco íntimo y conmovedor?. ¿No parece que las hayamos oído antes, en cualquier disco de la banda?. Y nos da igual, porque ¿a quién no le apetece seguir oyendo a los reyes del noise, aunque sea desenchufados y reducidos a la cuarta parte?. “Demolished Thoughts” está construido a base de guitarra acústica y sección de cuerda. La combinación es gloriosa. Y de ella nacen canciones directas al cielo, como “Iluminine”, “Circulation”, “Blood Never Lies”, “Mina Loy” o “January”. Quizá no todo está perdido.

WIRE. Red Barked Tree.

Colin Newman y Graham Lewis saben más por viejos que por diablos. Tras 25 años de música (obviemos la sequía de los 90) y una docena de grabaciones, la mayor parte del territorio está explorada. Es por ello por lo que su último trabajo muestra un bouquet tan especial. Dos joyas para enmarcar (“Please Take” y “Red Barked Tree”) abren y cierran respectivamente un disco sofisticado, moderno y tentacular, directo y sin rodeos. Se muestran melódicos en esa pegajosa “Please Take”, “Adapt” y “Clay”, muy cercanos y discotequeros en “Bad Worn Thing”, pero no pierden su vena punk (“Now Was” y “A Flat Tent”) ni sus instintos pirómanos (“Two Minutes”, “Moreover”). Gasolina y muselina juntas otra vez.

YELLOWBIRDS. The Color.

Tras el pseudónimo Yellowbirds se esconde un tipo llamado Sam Cohen que nada tiene que ver con Leonard. Y detrás de una portada tan extravagante descansa su primer álbum como tal, tras el proyecto Apollo Sunshine y otros trabajos mercenarios. “The Color” es un compendio de folk, psicodelia, soul y musical americano donde los ecos de Frank Sinatra se mezclan con los de The Byrds en el aire sin apenas molestarse. La producción se inspira en preceptos spectorianos, con capas y capas de sonido que se acumulan a veces sin dejar respiro. Es quizá su mayor defecto: canciones bonitas pero excesivamente acolchadas, recargadas hasta una rimbombancia sin mesura. Y es una pena, porque despojado de polvo y paja podría hacerle sombra al mismísimo Cass McCombs.

Continuará….

2011-12-22T19:33:00.000+01:00

DESCUBRIENDO A...

J. TILLMAN

Que quede claro: Joshua Tillman fue cocinero antes que fraile. O para entendernos: fue autor de sus propias canciones antes que fleet fox. Aunque sus primeros pinitos tuvieran más que ver con el post-rock (como cofundador del proyecto Saxon Shore junto a su hermano Zach), el folk es su auténtica biblia y el country y el blues sus libros de salmos. Un músico de vasta cultura y selectos gustos. Y así de revelador y encantador es el cartel del festival de sus sueños que circula por Youtube: Nick Drake (performing “Pink Moon”), John Lee Hooker, Maurice Ravel, Neil Young (performing “Tonight´s The Night”), Lightnin´Hopkins, Phosphorescent, Trees, The Band, D´Angelo, Ali Farka Touré y Nirvana. Un festival que, por supuesto, sería gratis. Vivamos de nuestra imaginación y nuestras ilusiones para no morir de pena.

El talento de J. Tillman floreció al abrigo de otra de las voces más íntimas y sinceras de la escena de Seattle: Damien Jurado. Y en la onda de su mecenas circulan sus creaciones. Siete álbumes desde 2004, todo un dechado de fertilidad. Para Tillman no existen las prisas ni las galas. Canciones que desafían el transcurso del tiempo: tempos mínimos, arreglos frugales y eficientes, y sobre todo, unos textos bellísimos y una voz que regala calidez y sosiego a manos llenas. Música no apta para impacientes, estresados o hiperactivos. Música para la tregua y el respiro.

Esta sólida trayectoria comienza con los autoproducidos “I Will Return” (2005) y “Long May You Run, J.Tillman” (2006) y va creciendo hasta “Singing Ax” (2010). Entre medias hay todo un mundo de odas a la gentileza y la debilidad del ser humano, invocaciones y espejismos, susurros que se cuelan por las grietas de las almas desgarradas y que animan a un profundo examen de conciencia. En su discurso y sus formas asoma la cabeza de aquel que abandera su quimérico festival, el Nick Drake minimalista de “Pink Moon”. Sí, Josh Tillman podría ser un nuevo Nick Drake, más pastoril, hirsuto y sonriente, pero igualmente capaz de tocar la fibra del vecino. De sus discos todos valen, pero los hay especiales. Como “Minor Works” (2006), donde lo acústico se vuelve eléctrico por arte de magia. O como “Cancer and Delirium” (2007), gestado en noches parisinas de soledad pero más cercano a cualquier rincón de Tennessee que a la ciudad de las luces (el banjo, ese banjo). O como el variopinto “Vacilando Territory Blues” (2009), sede de los únicos momentos de ruido y explosión que el músico cuenta en su haber (“Steel On Steel”, “New Imperial Grand Blues”). O como el delicioso “Year In The Kingdom” (2009), casa de acogida para el instrumento excelencia del folk tradicional, el dulcimer. ¿Que por dónde empezar?. Pues por ejemplo por “Milk White Air”, “With Wolves”, “Darling Night”, “Ribbons of Glass”, “Crosswinds”, “Earthly Bodies”, “There Is No Good In Me”, “Firstborn” o “Diamondback”. Cualquiera es perfecta para una primera cita con el hombre tranquilo.

www.jtillmanmusic.com

www.myspace.es/jtillman

2011-12-19T19:28:00.000+01:00

RETROSPECTIVAS

PHISH. A Picture of Nectar.

Joyas de los 90.

No solo de clásicos muy viejos vive el hombre. También el pasado no tan lejano o el presente de antes de ahora están llenos de grandes obras maestras a las que rendir tributo. Una de ellas es esta, álbum espectacular para una formación peculiar. La entera discografía de Phish resulta de todo punto apasionante. Podrían haber sido los fantásticos “Rift” (93), “Billy Breathes” (97) o “Farmhouse” (2000), pero el elegido es este “A Picture of Nectar” (92) por diversas y estudiadas razones. En primer lugar, porque aglutina de manera excelente el más numeroso índice de estilos explorados por la banda. En segundo lugar, porque en él se concentran algunos de los más brillantes solos de los que tanto gustaban en especial Trey Anastasio y Page McConnell, pequeños geniecillos de mentes explosivas y dedos elásticos. En tercer lugar, fue el primer disco de Phish que se coló por los hambrientos resquicios auditivos de la menda hace ya muchos años (gracias por tu obsesión compartida, Paco Pérez Bryant). Total, que cualquier motivo vale para escoger este disco y cualquier razón es buena para honrar a un grupo tan sobresaliente.

Mientras que a este lado del charco Phish no dejaron de ser un capricho para inquietos y ratas de vinilo, en Estados Unidos llegaron a convertirse en un fenómeno sin precedentes, una banda de verdadero culto, alimentada por el boca a boca, por excentricidades creadoras de leyenda urbana y demostraciones de virtuosismo vertiginoso en vivo. Puede decirse que Trey Anastasio, Jon Fishman, Mike Gordon y Page McConnell han sido únicos en muchos aspectos: derrochando imaginación, saltándose las normas a la torera, jugando al engaño y al despiste. Un soplo de aire fresco que acabó atrapando a las masas. Pero no solo son acróbatas, telepredicadores, maestros de ceremonias o gurús en celo. Ante todo son músicos, grandes músicos con un arte especial para crear, ejecutar, improvisar y reinventarse constantemente. Sus frondosísismas jam sessions son la leyenda que los padres americanos les cuentan a sus hijos antes de dormir. Porque solo una banda entre un millón es capaz de recolectar y hervir en el mismo recipiente tal cantidad de influencias. Y solo una banda entre un millón es capaz de montar un Circo del Sol en pleno escenario, disfrazarse de manera convincente de The Velvet Underground, The Beatles o Pink Floyd o retar al respetable a una partida interactiva de ajedrez.

Rock and roll, jazz, country, blues, músicas latinas, easy listening, R&B, funk y un sinfín de estilos más forman el gran angular de Phish. “A Picture of Nectar” contiene enormes demostraciones instrumentales, como las que se condensan dentro de las gigantescas “Llama”, “Guelah Papyrus” o “Tweezer”, amén de sutiles pinceladas jazzísticas (“Eliza”, “Magilla”). También cuenta con una esmerada ración de bluegrass (“Poor Heart”) y otra de rock auténtico y canalla (“Chalk Dust Torture”). Por descontado, los ritmos funkys no pueden faltar a la cita, presentes en “Cavern” y la referida “Tweezer”. Y los sonidos latinos hacen subir la temperatura de “Stash”, “The Landlady” o “The Mango Song”, rememorando las hazañas del buen amigo Santana. Luego hay cosas más difíciles de encuadrar, como la curiosa “Glide”, que tan pronto arrastra a terrenos country como invoca el poder de los grupos vocales de los 50.

En resumen, cada disco de Phish es un mundo y este lo recorre de punto a punto cardinal, de continente a continente, sin dejar ni un solo rincón por peinar. La banda ha tenido varios intentos de separación volviendo siempre al redil. La esperanza de verlos en directo sigue intacta; ¿tocaremos con los dedos algún día esa leyenda?. Una curiosidad: en Bonnaroo 2009 compartieron letras grandes de cartel con el mismísimo Bruce Springsteen. Y una banda que se juega los cuartos con el Boss es cosa muy, pero que muy seria.

www.phish.com

www.myspace.com/phish

2011-12-17T20:36:00.000+01:00

DISCOS

WOODEN SHJIPS. West.

Apología de la costa oeste.

Señoras y señores, he aquí la mejor portada del año. Sí, el Golden Gate en todo su esplendor, símbolo absoluto del oeste. No del salvaje oeste, sino del psicodélico y hippie oeste. Porque vamos a hablar de psicodelia, por supuesto. En el caso de Wooden Shjips no hay vuelta de hoja. O psicodelia o psicodelia. Bueno, también un poco de rock espacial (Sonic Boom se encarga de darle brillo) y algo de krautrock entre ceja y ceja. No hace falta liarse a tomar sustancias para ver entre las sombras las siluetas de The Doors, The Velvet Underground, Silver Apples, 13th Floor Elevators o Soft Machine. El disco en sí ya es toda una sustancia, un excitante viaje a la velocidad de la luz. Guitarras reverberando, distorsión, pedales de todos los tamaños, Hammonds enajenados y ritmos cabalgantes. Es lo mismo que ya hicieran en “Wooden Shjips” (2007) y “Dos” (2009), pero lo mismo da. Estos tipos, con el barbudo Erik Ripley Johnson a la cabeza, tienen la receta narcotizante única y genuina.

“West” (2011) es una oriunda apología (en efecto, son de Frisco), un autómata que arranca al primer segundo y no cede hasta el final. “Black Smoke Rise” despierta la sensualidad y la adicción, y cuando ya estás enganchándote “Crossing” te hipnotiza como un péndulo oscilante, dejando que “Lazy Bones” te lance cuesta abajo a su ritmo de locomotora frenética. Con la voluntad a su merced llega “Home”, y Neil Young se encarna ante los ojos envuelto en humo y burbujas. Pero “Flight” retorna el oído a la senda familiar, con sus curvas e inflexiones recurrentes de canciones pasadas. Quedan “Looking Out”, para dar el gran salto y sucumbir a un guateque ácido sin tregua, y “Rising”, para alimentarse de distorsiones hasta reventar. Siete, solo siete canciones, y gracias. Más sería muerte por sobredosis.

www.woodenshjips.com

www.myspace.com/woodenshjips

2011-12-15T19:19:00.000+01:00

CANCIONERO

ELLIOTT SMITH. Ballad of Big Nothing.

La historia de este hombre es una de las más tristes y estremecedoras de nuestra generación. Otro ejemplo de catástrofe existencial derivada de infancia difícil y adicciones peligrosas. La pérdida de Kurt Cobain causó el estrépito ensordecedor de una apisonadora; la de Elliott Smith no fue tan ruidosa, aunque también se cumpliera la amarga tradición de elevarlo a mito post mortem, como ocurre casi siempre en estos casos. Releer las circunstancias de su vida y muerte sigue poniendo los pelos de punta. Y lo mismo ocurre con sus letras, sucintas expresiones de abandono, rebeldía, dolor y alegorías químicas.

“Ballad of Big Nothing” es una de las grandes canciones del músico nacido en Omaha y asentado en Oregón. Una canción que trata de expulsar en cierto modo la rabia contenida. La guitarra acústica es, como en casi todas las composiciones de Smith, el instrumento que guía y a la vez aporta fuerza. Porque Elliott Smith consiguió algo que muy pocos han logrado hasta la fecha: dominar el idioma del grunge sin necesidad de gritar, sonar muy grunge sin necesidad de electrificarse. La canción reside en su aplaudido álbum “Either/ Or” (97), título tomado a préstamo de la célebre obra filosófica de Kierkegaard. Dicha obra se preguntaba por conceptos tan universales como la angustia, el amor, el miedo, la existencia o la religión, mismas preguntas que machacaban el cerebro del músico en vida. “Either/ Or” viene a significar “o esto o lo otro”. Está claro que Elliott eligió lo otro.

BALLAD OF BIG NOTHING

Throwing candy out to the crowd, dragging down the main

The helpless little thing with the dirty mouth who's always got something to say

You're sitting around at home now waiting for your brother to call

I saw him down in the alley, having had enough of it all

Said you can do what you want to whenever you want to

You can do what you want to, there's no one to stop you

All spit and spite, you're up all night and down every day

A tired man with only hours to go just waiting to be taken away

Getting into the back of a car for candy from some stranger

Watching the parade with pinpoint eyes full of smoldering anger

You can do what you want to whenever you want to

You can do what you want to, there's no one to stop you

Now you can do what you want to whenever you want to

Do what you want to whenever you want to

Do what you want to whenever you want to though it doesn't mean a thing

Big nothing

www.sweetadeline.net

www.myspace.com/elliottsmithnewmoon

2011-12-12T19:17:00.000+01:00

DISCOS

MEGAFAUN. Megafaun.

Valientes americanos.

Tras haber entrado por la puerta grande en la lista de descubrimientos consumados en 2011, Megafaun regresan a portada con su tercer trabajo, cuarto si contamos el curioso EP “Heretofore” (2010). Para su nueva entrega los de Carolina del Norte vuelven a demostrar que no son una banda de country-folk al uso, calzándose sus mejores zapatos para lograr el más amplio recorrido. Sí, no pueden negarlo, son de los USA, las barras y estrellas les salen por las orejas en temas como “Real Slow”, “Resurrection” o “Everything”, geniales celebraciones del orgullo americano. Sin embargo, sigue habiendo algo más allá, muchos metros de la raíz a la copa. Cosas tan raras como “These Words” o “Serene Return” son impropias del decoro y el purismo yanqui, lo que demuestra el culo inquieto de estos tipos, ajenos a las críticas crematorias y decididos a poner color y serpentinas al monte Rushmore. “Megafaun” (2011), para qué molestarse en buscar un título, goza de la virtud de la amplitud y la variedad, la mejor arma para evaporar el aburrimiento. Y así tanto valen los experimentos antes comentados como una buena tonada pop (“Second Friend”), un lingotazo de blues fantasmagórico (“Scorned”), ocho minutos y medio de exuberancia progresiva (“Get Right”) o un instrumental con tintes dixieland y calipso (“Isadora”). Abiertos de par en par cual bella flor en primavera.

www.megafaun.com

www.myspace.com/megafaun

2011-12-10T19:23:00.000+01:00

DESCUBRIENDO A...

FAUN FABLES

Bajo el onírico nombre de Faun Fables se reencarna una mujer que debió vivir otra vida en otra época. Su nombre es Dawn McCarthy y viene del más allá musical, de los campos vírgenes, de la era del peyote, con un símbolo de la paz colgado del cuello. El proyecto gravita en torno a ella, aunque cada vez es más notorio el papel de Nils Frykdal, tanto en la composición como en sus espectáculos. Y es que Faun Fables no es solo música: es un concepto de arte integral, sonidos, poesía, imagen e interpretación. Es una nube que surca el cielo dejando una lluvia que a veces reconforta y otras inquieta.

Musicalmente el agua mana de fuentes como las canciones tradicionales de los Apalaches, el folk de Fairport Convention, The Incredible String Band o The Pentagle, el rock intensivo de Jefferson Airplane o Shocking Blue y las elegías teatrales de Édit Piaf o Juliette Gréco. La espléndida voz de la señorita McCarthy ayuda bastante a rescatar los mitos; una voz que en ocasiones recuerda a la de otra mujer de talento sublime y temperamento añejo: Jesse Sykes. El resultado es el reflejo de sus influencias: sonidos vetustos, otra resurrección, otro flash-back por obra y gracia de la máquina del tiempo. Y este es de verdad: coloca un disco de Faun Fables entre los mejores de los 60 y nadie notará la diferencia.

Con “Light of A Vaster Dark” (2010) la banda (o dúo o mujer) logra casi la perfección. Un absoluto e inspiradísimo disco conceptual dedicado a las cuatro estaciones, aunque nada tenga que ver con Vivaldi. Atrás en el tiempo quedan “The Transit Rider” (2006), concebido como banda sonora para performance en vivo, el flamígero “Family Álbum” (2004) con su espectacular versión de “Eternal” (Brigitte Fontaine), el asfixiante “Mother Twilight” (2004) y el amateur “Early Song” (99). Baste decir que todos estos discos se grabaron para Drag City, ese sabio y juicioso sello capaz de acoger en sus brazos a gente como Will Oldham, Six Organs of Admittance, Bill Callahan, Silver Jews, The Red Krayola, Loose Fur o Espers.

www.faunfables.net

www.myspace.com/faunfablesmyspace

2011-12-08T19:48:00.000+01:00

RETROSPECTIVAS

THE SOUND. Jeopardy.

Joyas de los 80.

Volamos a los singulares y excitantes ochenta para agasajar a una banda merecedora pero postergada. La historia de The Sound es otra de esas lastimosas historias de injusticia y negro destino. Una banda condenada en su época al ostracismo, a lavar los platos de los banquetes de otros. Sí, funcionaron junto a nombres que nos suenan mucho más, como Joy Division, Echo & The Bunnymen, The Psychedelic Furs o The Chameleons, formando parte del ilustre elenco de huéspedes del post-punk, dando vida a un sonido patentado al que muchos echan mano de vez en cuando y hoy por hoy, cuando las ideas escasean y todo se vuelve un poco más borroso.

La historia de The Sound es la historia de una banda navegando en la sombra. Y sin embargo este “Jeopardy” (80), su nada desdeñable debú, resucita la eterna pregunta sin respuesta: ¿por qué unos sí y otros no?. ¿Por qué unos bebieron las mieles y otros las vieron pasar de lejos?. ¿Qué tenía que envidiar este disco a otros muchos grabados entre 1979 y 1982?. Canciones como “I Can´t Escape Myself”, “Hour of Need”, “Jeopardy” o “Night Versus Day” muestran todos los deberes del post-punk perfectamente hechos: oscuridad, lamentos juveniles, reflexión, rabia contenida, sintetizadores, guitarras sucias, bajos llenos de dolor. Temas irresistibles como “Words Fail Me”, “Heyday” o “Unwritten Law” no hubieran pasado desapercibidos en manos de otros, y aún hoy seguiríamos mentándolos como símbolos hereditarios. Los analistas de turno no dirían “ha vuelto la era Joy Division” sino “ha vuelto la era The Sound”. Y no se escribirían novelas ni se harían películas sobre Ian Curtis, sino sobre la figura de Adrian Borland, otro outsider, otro enfermo incomprendido al que la vida también se le hizo un insalvable monte cuesta arriba. A cada cual lo suyo (el amor a Joy Division es incuestionable, que conste), y a The Sound lo que se merecen: un aplauso, un boca a boca, una oportunidad aunque sea tarde.

www.brittleheaven.com

2011-12-06T12:39:00.002+01:00

REPORTAJES

OFF FESTIVAL 2011. 5,6 y 7 AGOSTO (KATOWICE)

Descubriendo nuevos festivales.

El pasado mes de agosto unos amigos estuvieron de festival por la fría Polonia. Aquí quedan sus generosas y trabajadas impresiones. Nunca es tarde si la dicha es buena.

A pesar de la lluvia.

Grupos como Piano Magic, British Sea Power, Iron & Wine, Clinic, Wire, Spiritualized, The Flaming Lips o Tindersticks son algunos de los que ya han pasado por este joven festival, que se lleva celebrando desde el año 2006 en tierras polacas (desde 2010 en la ciudad de Katowice). Situado en una zona verde rodeada de lagos y prados, conocida como Three Ponds Valley, podríamos asemejarlo por su tamaño y afluencia de público a los primeros FIB, aquellos en los que ver un concierto en un lugar privilegiado no era un suplicio. También nos recordó un poco a Paredes de Coura, por el entorno en el que se sitúa, y por el tipo de gente y ambiente que nos encontramos (y precio, 50 €!). El Festival alberga cuatro escenarios, Scena mBank (principal), Scena Leśna (segundo en capacidad), Trójkowa Scena Prezydencji (carpa dedicada principalmente a música electrónica) y Scena Eksperymentalna T-Mobile Music (pequeña carpa para otras músicas). Estos se sitúan alrededor de una pequeña zona central dedicada a comida y bebida (salchichas y cerveza principalmente, claro) y tiendas variadas. Lo peculiar de esta zona, y primera vez que nos lo encontramos, es la no posibilidad de sacar ni comida y ni bebida de ella. De este modo, no puedes disfrutar de los conciertos acompañado de una simple cerveza (por cierto, única bebida alcohólica a la venta), y si te la pides, a veces te toca bebértela deprisa y corriendo. Algo extraño, pero todo es cuestión de adaptarse. A favor ya encontramos otras cosas.

En general, el festival se vive de manera bastante diferente a como ocurre en los festivales españoles. Todo es muy tranquilo, pausado. A veces algo frío. Pero ellos son así. España es cachondeo, drogas, avalanchas, locura y calor. Polonia es tranquilidad, cerveza, orden, limpieza, respeto y frío, incluso en agosto. Dos maneras de vivir y de disfrutar de la música.

DÍA 5.

La primera toma de contacto con el festival llegó a cargo de MESHUGGAH, en el escenario Scena Leśna. Metal competente y contundente para abrir boca y recordarnos que por estos lares el metal es muy apreciado y no hay problema para hacerle un hueco en el festival. De hecho la respuesta del público lo rubrica. Uno de los conciertos con mayor afluencia en dicho escenario.

THE JON SPENCER BLUES EXPLOSION (Scena Leśna): Ya han pasado muchos años (FIB 99) desde la única vez que pudimos disfrutar del trío encabezado por el peculiar Jon Spencer. Otro por el cual parecen que no pasan los años, manteniendo la energía de un adolescente. Trío hecho por y para el directo, ya me sorprendieron con su brutal espectáculo en el FIB. A día de hoy, siguen mostrándonos las virguerías que se pueden llegar a hacer con dos guitarras y una batería. Repasaron lo más importante de su repertorio, entre ellas, “Sweat”, “Bellbottoms”, “Afro” y “Chicken Dog”. Únicos y sin tregua.

De aquí, nos dirigimos al primer concierto en el escenario principal, Scena mBank (patrocinio omnipresente el de este banco en todo el festival) con muchas expectativas que luego no fueron tantas para unos MOGWAI avalados por su “Hardcore Will Never Die, But You Will”. No fue ni mucho menos el concierto del festival. Tardaron demasiado en conseguir un buen sonido y en aparecer las grandes canciones. Aún así pudimos disfrutar de una gran “2 Rights Make 1 Wrong”. Con “Mexican Gran Prix” abandonamos el concierto en busca de Low. Posiblemente nos perdiéramos lo mejor.

De vuelta a Scena Leśna con LOW. Nunca fallan, y esta ocasión no iba a ser menos. Primera vez que los vemos en versión cuarteto y creo que es un acierto. Alan y compañía siguen siendo una debilidad. Su guitarra y voz, junto con la de Mimi Parker son una auténtica maravilla. Desde clásicas como “Monkey” a nuevas como “Nothing But Heart”, “Try to Sleep” o “See You Everything”. Para finalizar, “Murderer”, con un gran respeto por parte de los presentes. A la cama con los pelos de punta.

DÍA 6.

Segundo día, en el que los protagonistas fueron Gang of Four y Primal Scream. Nos arrepentimos de no llegar antes a Xiu Xiu y malgastar nuestro tiempo con Destroyer. Una lástima perdernos Blonde Redhead.

GANG OF FOUR (Mbank): A la par de Wire o The Fall, con sus principales componentes sobrepasando los 50 años, el grupo de Jon King y Andy Gill sigue en forma y sin pasar de moda, y con una energía envidiable para esas edades. A veces hipnóticos, a veces agresivos, siguen teniendo un gran directo. Ya nos dejaron un fantástico sabor de boca en 2006, justo antes de la llegada de los nuevos componentes, Thomas McNeice y Mark Heaney, los cuales han encajado perfectamente en la maquinaria. “Not Great Men” (con bailes convulsivos de Jon), ”Ether”, “A Fruitfly in The Beehive” (de lo mejor de su último disco), “Anthrax” (fantástica la guitarra de Andy Gill y sus continuos acoples), “What We All Want” o “To Hell With Poverty” fueron parte del repertorio.

DESTROYER (Scena Leśna): Poco que decir del grupo liderado por Dan Bejar, al que pudimos presenciar durante algunos temas pero sin mucho éxito. No llegamos a conectar con sus canciones, un tanto sencillas. Rodeado de músicos muy jóvenes, con muy buenas intenciones, pero poco efectivos en el directo, preferimos acercarnos a ver algo de XIU XIU. Casi al final de lo que parece que pudo ser un gran concierto en Scena Eksperymentalna T-Mobile Music, el dueto tenía encandilado al respetable. Solo pudimos disfrutar de un par de temas, suficientes para arrepentirnos de no haber llegado antes.

PRIMAL SCREAM (Mbank): Supongo que no volveremos a encontrarnos con la oportunidad de disfrutar de un grupo de la talla de Primal Scream a poco metros de la primera fila en un escenario “gran formato” sin sufrir ningún tipo de empujón o inclemencia por parte de los asistentes. Aprovechamos la ocasión y sentimos el calor e hipnotismo de su gran “Scremadelica”. Unos Primal Scream más rockeros y psicodélicos, aunque algo menos contundentes que en ocasiones anteriores. Una cosa es “Scremadelica” y otra “Xtrmntr”. Y aquí tocaba centrarse en el primero de ellos, mas algún escarceo a “Give Out But Don't Give Up” y “Riot City Blues”. Lo dicho, esta vez tocaba más rock y menos electrónica. Comenzaron con “Movin' On Up”, Bobby al frente con sus inseparables maracas. Fantástica para abrir boca con un sonido perfecto desde las primeras notas. Le siguieron entre otras "Don’t Fight It, Feel It”, donde la cantante que hace las voces (desconozco su nombre), cogió el protagonismo del escenario con gran energía y aportó un toque diferente. Con “Higher Than The Sun” llegaron los Primal Scream más psicodélicos, musical y visualmente, y para mí, uno de los momentos de la noche. Con “Loaded” volvió la energía, con un Gillespie que intentaba con sus extraños bailes motivar a un público excesivamente frío, y con “Come Together” la culminación. En los bises, “Country Girl”, “Jailbird” y “Rocks” fueron perfectas para un gran cierre. Siempre a gran altura.

DÍA 7.

Los peores presagios se cumplieron, y la amenaza de lluvia se hizo realidad para el día más completo del festival. Aún así, no fue impedimento para que presenciásemos grandes conciertos. Uno de ellos fue LIARS (Mbank) (sacrificamos muy a nuestro pesar a Anna Calvi por coincidencia en horarios), a los que por causa de la dichosa lluvia, no pudimos disfrutar en su totalidad del bestial directo de estos músicos tan peculiares. “I Can Still See an Outside World” y “The Other Side of Mr. Heart Attack” fueron la pausa. “Plaster Casts of Everything”, “Be Quiet Mr. Heart Attack” y “Broken Witch” la locura y el caos. Otros que ganan mucho en el cara a cara.

Aprovechando la proximidad del Scena Eksperymentalna T-Mobile Music al escenario principal donde actuarían Deus, aprovechamos para echar un vistazo a ONEIDA. Solo dio tiempo a “The Adversary” con las dos baterías en pleno rendimiento. La carpa a reventar. Menos es nada. Deus llamaba.

DEUS (Mbank): Fue el concierto del festival. La lluvia, en algunos momentos torrencial, no nos privó de los belgas, y dotó de carácter épico a algunas de sus mejores canciones y al concierto en general. Supongo que estuvo en más de una ocasión a punto de suspenderse, con un Klaas Janzoons que ya no sabía qué hacer para proteger los teclados. Finalmente, nos les quedó más remedio que arriesgar, viendo como el público aguantaba de manera heroica. Como en el concierto de Primal Scream, nos sentimos privilegiados de poder disfrutar tan cerca de este gran espectáculo, de nuevo, con un gran sonido de principio a fin. “Slow” para calentar y “Sun Ra” para echar a rodar definitivamente. “The Architect”, “Constant Now” de su último disco “Keep You Close”, y los grandes momentos con “Instant Street”, “Bad Timing” (la lluvia sin dar tregua) o “Favourite Game”, fueron algunos de los temas que sonaron. Acabamos calados, pero mereció la pena por tan grandioso espectáculo.

Buscando refugio lo antes posible de nuevo en Scena Eksperymentalna T-Mobile Music nos encontramos con KONONO N.1. Sonidos africanos dando un poco de calor a la fría noche con una gran aceptación por parte del público polaco.

PUBLIC IMAGE LTD.: Otra ración de post-punk. Llegó la hora de John Lydon, para mí Johnny Rotten, y la lluvia nos dejó un respiro (según Rotten, gracias a ellos). Apenas conocía al cuarteto y no espera mucho, conociendo el talante de su cantante, pero me sorprendieron en varios momentos. Mucho más sólidos de lo esperado. La contundente voz de Rotten (curioso lo del atril para la lectura de las letras), junto con la fantástica labor de Keith Levene, fueron suficientes argumentos para convencernos. “(This Is Not A) Love Song”, todo un clásico para comenzar. “Home”, “Albatross”, y una fantástica “Warrior”, grabada en la memoria como uno de los grandes momentos del festival. Para el final, “Rise” y para cerrar definitivamente, “Open Up”. Lo dicho, mejor de lo esperado. Esto se acaba.

SEBADOH: Con un escenario semivacío, observamos a Lou Barlow y compañía sentados pacientemente en el escenario esperando la hora. Es el momento, el trío se encamina, y comienza con tranquilidad: “On Fire”. De momento, Lou a la guitarra y voz, y Jason al bajo. Bob, siempre a la batería. “Ocean”, y con “Magnet’s Coil” (una de las favoritas, de tantas) aparecen los Sebadoh más potentes. Toca cambio: Lou coge el bajo y Jason ahora es guitarra y voz. Prefiero este formato. Lou le saca un sonido al bajo realmente especial y pesado. “Rebound”, “Skull” (otra de esas), y con “Careful” el frío y la lluvia nos hacen abandonar definitivamente, pero con un gran sabor de boca.

Lo dicho, a pesar de la lluvia.

Sentimos no haber contado contigo. Esperemos no fallar a la próxima.

www.off-festival.pl

2011-12-04T18:34:00.000+01:00

DISCOS

LAURA MARLING. A Creature I Don´t Know.

La herencia de Joni Mitchell.

A esta jovencita inglesa, amante de Bob Dylan y Neil Young, la conocimos por casualidad. Gracias a su amistad y colaboración con otro joven talento de las islas: Johnny Flynn. Fue a través de “I Speak Bacause I Can” (2010), un disco magistral, impropio de una casi niña, maduro como un roble. Ahora nos llegan nuevas canciones, recogidas en este “A Creature I Don´t Know” (2011), donde Marling sigue mostrando las formas sutiles, adultas y proporcionadas de una singer-songwriter con galones. Basta escuchar “The Muse”, una apertura enormemente consistente y juguetona con el jazz, para volver a descubrirse ante una voz que de nuevo evoca a la excelente Joni Mitchell. Hay muchas en su línea, mujeres con estilo e inspiración, brillantes intérpretes que van en serio, que se aferran al pasado plantando los pies con brío en el presente, y ahí está ella, la pequeña Laura, entrando en el club de las voces del futuro, junto a Eileen Jewel, Dayna Kurtz, Dawn Landes, Laura Veirs, Alela Diane o Basia Bulat, entre otras. Amy Winehouse era musicalmente extraordinaria, pero no la única.

Sin embargo y en comparación con su antecesor, “A Creature I Don´t Know” no mantiene un nivel constante. Mientras la mencionada “The Muse”, “Don´t Ask Me Why”, “The Beast” y “All My Rage” son bienvenidas al mundo una y otra vez, el disco se atranca en formatos manidos y falta de tensión en momentos puntuales. Aún así la música y la poderosa voz de esta mujer superan la media, animando a izar las velas y emprender otro apasionante viaje atrás en el tiempo. Van unos cuantos, por cierto. Y los que quedan.

http://www.lauramarling.com/

www.myspace.com/lauramarling

2011-11-30T20:03:00.000+01:00

CONCIERTOS

THE SISTERS OF MERCY. Madrid. La Riviera. 27-11-2011.

Karaoke Of Mercy.

Una crónica especial y personal por cortesía de Ángel Velasco.

Al que suscribe, que es un enamorado de la música en general, y de los sonidos densos y semi-angustiosos propios del gótico primigenio en particular, e incapaz de resistirse a un bajo alternante que pega sin contemplaciones mientras el resto de la banda intenta seguirle los pasos, pues ver a Sisters Of Mercy se le presentaba a priori como necesidad vital, máxime teniendo en cuenta que siempre ha sido uno de mis grupos de referencia y que jamás los había vivido en directo. Por ello, cuando me entero que vienen de gira por España celebrando su 30 aniversario me digo a mí mismo: “Ángel, ahora o nunca, ya dejaste escapar este verano a los Judas Priest no hagas lo mismo con estos, o te arrepentirás”. Dicho y hecho, me pillo la entrada y para Madrid que salgo zumbando. Por supuesto sólo, y no por nada, sino porque al final va a resultar que en esto de la música soy un bicho raro y a nadie de los míos les resultan atractivas estas bandas, ya me pasó lo mismo en octubre con Within Temptation… en fin, me consolaré con aquello de mejor solo que mal acompañado.

Y entramos en materia…, el día y hora señalada me persono en la sala, llego tarde y me pierdo a los teloneros, por lo tanto de ellos no comento nada por desconocimiento. Lo primero que me llama la atención es la gente, no sabría calcular cuantos éramos, pero una definición ajustada podría ser la de grupo medianamente numeroso, tirando a bajo, o lo que es lo mismo, que ni puta idea. Eso sí, como se dice en el ambiente se observaba cierta “marea negra”, y por supuesto mucha camiseta del grupo y de algún otro similar (por supuesto las había de Joy Division y de The Mission). Chicas encorsetadas sólo vi una, en ese aspecto abundaba más el tejano. También me llamó la atención que yo, a mis cuarenta y bastantes, no era el más anciano de la sala.

Después decido buscar una buena ubicación, me acerco al escenario y lo primero que me llama la atención es QUE NO HAY BATERÍA…???, empiezo a temerme lo peor pero quiero pensar en positivo y me digo, jó, ahora la bajarán del techo con alguna especie de plataforma hidráulica o saldrá del suelo por un ascensor mientras salen fuegos infernales tipo Rammstein… en fin, me dije, esperaremos… que emoción, esto promete!.

Comienza el espectáculo… comienza a salir humo del escenario, entre la neblina generada se empiezan a ver figuras humanas… uno, dos, tres y … y… y… y ya está, eran tres. Dos guitarras y el cantante, no había nadie más. Esto lo voy a volver a escribir por si alguien no lo ha entendido bien: ERAN TRES (3), y no salió ninguna batería del cielo… pero se oía una, eso sí. Como también se oía un bajo y en algunos temas arreglos de órgano… TODO GRABADO!!. Era un karaoke, señores, en el que uno cantaba y dos tocaban la guitarra. Miren ustedes, yo no suelo ir a muchos conciertos, la verdad, pero esto a mi no me parece muy normal. Yo puedo comprender que una banda utilice algún efecto pregrabado para comenzar o adornar algún tema, lo puedo entender, pero ¿llevar la batería, el bajo y el teclado pregrabado es normal?... a mí desde luego no me lo parece. Me sentí molesto y muy muy decepcionado, mucho.

Sé que desde hace tiempo la banda sustituyó la batería estándar por dispositivos electrónicos tipo secuenciadores y cajas de ritmos, incluso recuerdo que los utilizaron para grabar sus últimos discos. Desconozco como se presentan en directo, ya he manifestado que no los he visto nunca. Con ello quiero decir que es posible que sea tradición en la banda actuar en directo utilizando uno de esos prodigios tecnológicos, bajo esa premisa podría plantearse la pregunta de si es “perdonable” por ser lo acostumbrado, respuesta que necesariamente ha de ser negativa ya que en el mismo pack digital se incluían los teclados y sobre todo el bajo, y por ahí ya no paso.

Añadir que el concierto así planteado ya no me interesaba en demasía, la verdad. Sólo voy a destacar algo positivo que sí me agradó, y es la reinterpretación de los temas, sonaban bastante diferentes a los discos, mucho más guitarreros y rockeros y eso se agradece, aunque también es normal. Después de no grabar en mogollón de años y estar girando desde entonces tocando siempre lo mismo, sólo faltaba que encima lo interpretaran de la misma manera, pa cortarse las venas vamos. En ese sentido me encantó especialmente la versión del tema “This Corrosion”. Y poco más que contar. Se hicieron tres bises, previsibles claro está porque hasta que no sonara Lucretia y el Templo estaba claro que aquello no terminaba, y efectivamente así fue. El último bis arrancó con “Lucretia My Reflection”, seguida de “Vision Thing” y la cosa terminó con “Temple Of Love”. Como habréis podido intuir, sin un bajo real en el escenario la versión de “Lucretia My Reflection” sonó bastante desangelada.

Ah, otra cosa… el humo que salía del escenario fue constante, es algo normal en la escenografía del grupo, pero es que llegó un momento que desde mi ubicación apenas se distinguía la puerta de los servicios… había demasiado y resultaba molesto. Supongo que lo que se pretendía era precisamente eso, que el escenario no se viera tan desierto y vacío de gente, técnicas de camuflaje, supongo. De hecho cualquier músico que se echara dos pasos para atrás, sin foco que le “enchufara”, quedaba oculto.

En fin… ya no escribo más porque no merece la pena. Yo nunca he visto nada parecido ni espero repetir la experiencia. Ahora os dejo, voy a redactar una carta de queja a la productora para pedirles que me devuelvan la mitad de la entrada, al fin y al cabo sólo me ofrecieron la mitad de los músicos…

Angelito.

www.thesistersofmercy.com

2011-11-27T20:13:00.001+01:00

CONCIERTOS

FLEET FOXES + VETIVER. Madrid. La Riviera. 25-11-2011.

Que a una banda de una pureza tan angelical como Fleet Foxes se la utilice como mera mercadería es algo de muy mal gusto. Sí, sin duda eran lo más atractivo dentro del cartel del Primavera Club de este año, pero lo de tener que pagar una entrada aparte para su concierto se convierte en la enésima cicatería de sus inventores, usura de guante blanco. ¿Es que no nos roban, sangran y humillan ya bastante los que mandan?. El problema es que parte de la culpa también es nuestra: nos dejamos engañar como inocentes, saben que la música es nuestro escape y de ello se aprovechan. Pero yo solo me dejo engañar a medias y decido que únicamente voy a darles una parte. Por algo se empieza.

Y al final no importa lo que das, siempre es más lo que recibes. Se confirma la teoría de hace seis meses: Fleet Foxes son el último enigma sin resolver del siglo XXI. Si escuchas a Simon & Garfunkel y Crosby, Stills & Nash es que eres un carca y un rancio. Pero si oyes a Fleet Foxes eres superguay. Ni Iker Jiménez podría explicar que La Riviera se llene hasta la bandera de gente a la última para ver a unos antihéroes peludos y anacrónicos que no hacen música hedonista sino reflexiva. Muy turbador resulta que las veinteañeras se vuelvan locas y griten al verlos como si fueran los Backstreet Boys. El mundo se ha descolocado, los goznes se han roto y esto es un sin Dios. Pero ahí estamos, los unos y los otros, con motivaciones diferentes, viendo a estos benditos muchachos que saben lo que se traen entre manos. Saben hacer música, vestirla, transmitirla, y lo más importante: saben llegar a lo más hondo del corazón, al menos del mío. Canciones como “The Plains/Bitter Dancer” (menuda apertura, mamma mia), “Sim Sala Bim”, “Grown Ocean” o “Blue Ridge Mountains” son capaces de lograr algo inédito desde hace años: reblandecer el callo, exhumar sentimientos, liberar lágrimas silenciosas. Porque la música de estos tipos es algo conmovedor, sencillo pero trascendente. Es música regeneradora, mágica, es un cuento de hadas, es un viaje entre amigos, es el agua cuando tienes sed y el pan cuando tienes hambre, un fuego cuando tienes frío y un abrazo cuando estás solo. Es la mejor compañía para las orejas allá donde estés o a dondequiera que vayas.

Las armonías cristalinas de Pecknold, Wargo y Tillman te mecen solas, llevándote de la mano por el camino de los archiescuchados y requetesabidos “Fleet Foxes” (2008), “Sun Giant EP” (2008) y “Helplessness Blues” (2011). Impagable el duro trabajo en la sombra de Skjelset y Wescott. Y el ducho arte del adorno del exótico, extraño y con pinta de vagabundo Henderson. Y hablando de Pecknold, qué forma de puntear y arpegiar, de crear deliciosas miniaturas sonoras. Y hablando de Tillman (que no es un zorro sin más, pronto tendrá su lugar propio detrás de las cortinas), queda nombrado baterista más elegante del mundo con permiso de John Convertino. Si añadimos la luz justa y unas proyecciones humildes, tenemos el pastel completo. Hincarle el diente, saborearlo y deshacerse de gusto es todo uno.

Si algo puede achacarse a los de Seattle es que no se desvíen un milímetro del guión; aunque con un repertorio tan colosal quizá tampoco lo necesiten. Es la filosofía del buen hacer, del trabajo artesanal, sin poses, charlatanería, tracas ni películas. Un breve conato de improvisación free jazz para introducir “Blue Ridge Mountains” y al final de “The Shrine/An Argument”, y nada más. Se echa de menos "Montezuma" y también la calurosa y siempre olvidada "Quiet Houses", pero “Mykonos”, “English House”, “Battery Kinzie”, “Bedouin Dress”, “Your Protector”, “White Winter Hymnal”, “Ragged Wood”, “He Doesn´t Know Why”, "Lorelai", "Blue Spotted Tail", "Sun Rises" y “Helplessness Blues” vuelan alto con alas prefabricadas; unas alas tan fuertes y seguras que despeinan con su batir hasta al más calvo.

¿Y de Vetiver qué?. Borrados por los zorros de un plumazo. El proyecto de Andy Cabic ha mutado sutilmente de aderezo musical para merienda campestre hacia un clon de Yo La Tengo bastante descafeinado. Venían con un nuevo y decente “The Errant Charm” (2011) bajo el brazo, pero no se les esperaba tan metidos en sus nuevos movimientos pop. Conectaron en muy, muy pocos momentos, aunque dejaron al aire su gustosa querencia por las versiones, clavando una “Streets of Your Town” merecedora del OK de Robert Forster y el difunto Grant McLennan. Pero claro, contra unos compañeros de cartel tan beautiful hasta el más hacendoso pierde.

http://www.fleetfoxes.com/

http://www.vetiverse.com/

2011-11-21T22:21:00.000+01:00

REPORTAJES

R.E.M.: EL FINAL INSOSPECHADO

Despedida con honores.

La noticia de la separación de R.E.M. ha sido uno de los tragos musicales más amargos de los últimos meses, junto a las dudas sobre la continuidad de Sonic Youth. Si las bandas serias y honestas hacen las maletas, el mundo se queda cojo. Ahora sí que hay crisis, mire usted. Que un grupo como R.E.M. anuncie su retirada duele. Y precisamente en un momento fulgurante, justo después de publicar sus dos mejores discos en años: “Accelerate” (2008) y “Collapse Into Now” (2011). Aunque como decían los compañeros de Hipersónica, quizá sea mejor dejar un bonito cadáver.

Los de Athens no solo son un capricho personal, sino un activo seguro para la escena musical desde hace 30 años, un santo y seña para viejos y aprendices, un ejemplo de profesionalidad, compromiso, constancia y buenas formas. Sus razones tienen y son más que respetables, ya se trate de ampliar horizontes o ganarse un respiro merecido. Al menos hay que agradecer que el sueño haya sido tan prolífico y duradero. R.E.M. nos dejan un legado envidiable, una colección de mitos vivos, un puñado de recuerdos imborrables en forma de canciones y discos que acompañaron toda una media-vida, en sus mejores y peores momentos. Ni pop-rock, ni folk-rock, ni punk-rock, ni siquiera rock a secas: Michael Stipe, Peter Buck y Mike Mills (y Bill Berry hasta el 97) han sido siempre inclasificables, solo definibles como músicos pluscuamperfectos. Esos recuerdos se recomponen por inercia nuevamente, animando a echar la vista atrás y repasar lo más granado de su triunfante carrera. Y así quedan rescatados cinco álbumes para enmarcar:

“MURMUR” (1983): En 1980 cuatro universitarios de Athens (Georgia, EE.UU.) deciden emprender aventura y tres años más tarde debutan en serio con un largo alucinante. Un disco de una solidez exquisita, abanderado por una “Radio Free Europe” que se convertiría en faro guía del nuevo rock alternativo americano. En “Murmur” la banda expone sus esquemas al desnudo, muestra sus cartas boca arriba: este es nuestro sonido y nadie logrará parecerse a nosotros. En efecto. “Talk About The Passion” y “Perfect Circle” se cuentan ya como grandes clásicos de una discografía sin mácula. Pero este álbum también recoge otras joyas ocultas como “Pilgrimage”, “Catapult”, “9-9” o “We Walk”.

“GREEN” (1988): Tras varios trabajos algo difusos, R.E.M. centran el tiro en este espectacular “Green”, dando el pistoletazo de salida a su periplo más glorioso y de más impacto comercial. Este es un disco pleno, contundente, sin ningún minuto de desecho. Canciones como “Pop Song 89”, “Orange Crush” o “Turn You Inside-Out” se muestran recias e incontestables, mientras que “You Are The Everything”, “The Wrong Child” o “Hairshirt” enamoran con sus dulces ukeleles. Ni sobra ni falta de nada; quizá solo se eche de menos un buen título para el tema que le da cierre magistral.

“OUT OF TIME” (1991): El gran boom comercial se produce con este disco, y “Losing My Religion” se eleva al altar como cordero de Dios. Sin embargo, no es un disco de una pieza; más bien un muestrario que intercala canciones sublimes y experimentos ligeros. El esplendor luminoso de “Near Wild Heaven”, “Shiny Happy People” o “Me In Honey” contrasta con la oscuridad de “Low” o “Country Feedback”. Por su parte, las magníficas “Radio Song” y “Texarcana” muestran las dos puntas del abanico de sonidos abarcable por una banda ya férreamente consolidada.

“AUTOMATIC FOR THE PEOPLE” (1992): Tras el ingente éxito de su antecesor, el reto era enorme. Y sin embargo, Stipe y los suyos no se arredran y alumbran otro disco dignísimo, lleno de bellas canciones, algo más sereno y sombrío, y mucho más adornado. De hecho, se atreven a poner pequeños arreglos de orquesta, nada ostentosos, en canciones como “Drive”, “Everybody Hurts” o “The Sidewinder Sleeps Tonite”. La general palidez del álbum lo hace quizá el más difícil hasta la fecha, con las excepciones que representan una nostálgica “Man on the Moon” convertida en todo un himno, o ese bombazo febril llamado “Ignoreland”.

“MONSTER” (1994): Y después de la calma, llega la tormenta. Este álbum supone un salto al vacío, variando radicalmente la tendencia. El resultado es un ruidoso monstruito con guiños a la memoria de los caídos (Kurt Cobain, River Phoenix...). Muestra a unos R.E.M. explosivos, contundentes y aventureros, aliados con el reverb y la electricidad. “What´s the Frequency, Kenneth” fue el tema estrella, pero hay otros que se distinguen por su fogosidad plutónica, como “Crush With Eyeliner”, “Star 69” o “Circus Envy”. Entre tanto masma también hay sitio para las melodías, “I Don´t Sleep, I Dream” o “Strange Currencies” lo atestiguan. Una patada rabiosa, un disco brutal e injustamente maltratado por sectores críticos radicales.

Esta es parte de la historia de una gran banda. De esas que ya no existen. De las que ya no se llevan. Sin embargo ellos siempre estuvieron de moda, siempre fueron bienqueridos. El mismo cuento de tantas ocasiones: ahora se anuncia un recopilatorio de despedida de todo punto innecesario. El libro maestro de R.E.M. ya está escrito, mil veces leído y hasta subrayado. Adiós es un hasta luego. Porque estas canciones seguirán en la cabeza por muchos años más: la otra media-vida que nos queda.

http://www.remhq.com/

www.myspace.com/rem

2011-11-18T19:39:00.000+01:00

DISCOS

WILCO. The Whole Love.

En busca de la gran canción.

Jeff Tweedy está fértil. Y por ende, Wilco no dejan de rodar. Cada dos añitos, puntuales como el transiberiano. Aquí llega “The Whole Love” (2011), lleno de esperanzas aunque los anteriores no fueran bien tratados por la exigente crítica. Da igual que saquen un álbum mediocre; la fe en ellos se resiste a morir. Y bien es cierto que de ellos hace tiempo que no esperamos un gran disco, sino la gran canción dentro de su nuevo disco. Como “Imposible Germany” en “Sky Blue Sky” (2007) o “Bull Black Nova” en “Wilco” (2009). ¿Y cuál podría ser la elegida en este trabajo?. Aquí está más difícil. Está claro que “Art of Almost” queda descartada; su intento por emular a Radiohead resulta bastante desconcertante. También queda fuera de juego “One Sunday Morning (Song for Jane Smiley´s Boyfriend)”, pues sus más de doce minutos no hay cuerpo que los resista sin doblar rodilla. “Black Moon” y “Rising Red Lung” asoman como humildes candidatas sin ser el tipo de canción que se lleva el gato al agua; dos preciosas baladas folk de tempo mínimo e intimidad reconfortante. “I Might” y “Dawned on Me” presentan un currículum intachable; enérgicas, pegadizas, perfectas para un directo interactivo. La amable “Whole Love” se posiciona con ventaja tras tres o cuatro escuchas, aunque es “Standing O” la que más ruido hace, la que resucita del sueño, todo un peso pesado. Y sin embargo… ¿y sin embargo?. Quizá “The Whole Love” no sea disco de una gran canción sino de muchas canciones aceptables. Sí, sabe a más de lo mismo, pero Wilco siempre tienen buen sabor.

http://www.wilcoworld.net/

www.myspace.com/wilco

2011-11-14T19:30:00.001+01:00

RETROSPECTIVAS

NICK GARRIE. The Nightmare of J.B. Stanislas.

Joyas de los 60.

Tras las sesiones de clásicos por décadas del pasado, es hora de desacotar. A partir de ahora las retrospectivas no tendrán regla ni método. La resurrección comienza de nuevo en los 60, con uno de esos discos que muchos llaman “de culto” o que otros llaman “malditos”. La historia de Nick Garrie es la triste historia del trovador que recorre las calles del reino sin que nadie realmente lo escuche. “The Nightmare of J.B. Stanislas” (69) reunía las hechuras más pulidas y apasionadas del pop, la fórmula del crooner acompañado de una gran orquesta. Algo muy apropiado para los ingleses, pero es que los ingleses apenas se enteraron. Fueron los franceses los que tuvieron la suerte de acogerlo, descubrir sus bondades y guardarlas a buen recaudo hasta muchos años después. ¿Y qué hubiera pasado si Nick Garrie hubiera nacido y grabado en América?. Quizá hubiera tenido más suerte. La suerte de un Scott Walker al que, bajo un punto de vista muy personal, nada tenía que envidiar.

El caso es que este disco apenas gozó de eco en sus orígenes. Un proyecto ambicioso que cayó en agua de borrajas por un revés del destino (el suicidio de su valedor Lucien Morisse), dejando a su autor (un jovencito ambicioso e impresionable por aquel entonces) sumido en la más honda decepción. Por suerte el tiempo le hace justicia, y ahora se cuenta como lo que es, una auténtica obra maestra, reeditada con todos los honores en 2005 y después en 2010. El álbum está colmado de sencillas pero exuberantes composiciones, con exquisitos arreglos y una lírica conmovedora. Canciones como “The Nightmare of J.B. Stanislas”, “Bungles Tours”, “Ink Pot Eyes”, “Little Bird” o “Evening” demuestran el ingente poder de Garrie para escribir e interpretar, y nos regalan esa preciosa voz, transparente y cálida, que nos susurra sobre sueños y amores difíciles en clave surrealista.

Muchos opinan que más vale tarde que nunca. La extraña y dilatada progresión de este hombre hace bueno el dicho, pues han tenido que pasar cuarenta años entre su primer trabajo y el segundo. “49 Arlington Gardens” (2008) es el último grito de un alma en busca del pan negado. Una particular lección de vida: siempre hay una oportunidad para sacarse las espinas. Y nunca es tarde si la dicha es buena. La suya y también la nuestra.

www.elefant.com/bands/nick-garrie

2011-11-08T21:40:00.002+01:00

DESCUBRIENDO A...

CONNAN MOCKASIN

Qué alivio escuchar de vez en cuando algo diferente, algo que de tan inverosímil te hace cuestionarte la consciencia, algo como lo que se dedica a construir este neozelandés insistentemente comparado con el gran Syd Barrett. Connan Mockasin es de esos músicos marcianiles a los que jamás te imaginas con camiseta y vaqueros, sino acicalado con atuendos siderales, bajando de una nave nodriza al más puro estilo George Clinton. Su música es brumosa, ingrávida, desconcertante, adornada por ese punto andrógino que sugieren las voces digitalizadas. Ocurre lo mismo con los franceses Air, ¿de quién es esta voz?, ¿quién canta?, ¿es ella?, ¿es él?, ¿es un extraterrestre?. Y de hecho algunos temas se aproximan a las creaciones del dúo Dunckel-Godin, paralelismo que en el caso de “It´s Choade My Dear” y “Faking Jazz Together” resulta más que evidente. También existe una ligera conexión con los experimentos del inigualable Bertrand Burgalat, otro galo sin fronteras. “Please Turn Me Into The Snat” (2010) es el último disco de esta rara avis, su salto de calidad. Para aportar continuidad, en este 2011 se reedita bajo el nombre de “Forever Dolphin Love”, adoptando el título de su canción más famosa (y harto pegadiza), con el añadido de una colección de versiones en directo.

www.myspace.com/connanmockasin

www.connanmockasin.tumblr.com

2011-11-05T17:56:00.000+01:00

DISCOS

BLITZEN TRAPPER. American Goldwing.

Tributo a los maestros.

El año pasado Blitzen Trapper se destapaban con su mejor disco hasta entonces: “Destroyer of the Void” (2010) los mostraba como una banda en la cúspide de su carrera, justo en el estadio anterior a la respetable madurez. Sin tiempo para asimilar del todo aquella obra, con el esplendor de aquellas “Below The Hurricane”, “Evening Star” o “The Man Who Would Speak True” todavía vivo en el paladar, llega su nueva entrega. “American Goldwing” (2011) deja abierto el interrogante en su estreno; ni es tan variopinto ni goza de episodios tan memorables como el anterior. Sin embargo, es un álbum firme, cohesionado y con un amigable guiño a aquellas bandas que pintaron las marcas de la carretera en los 60-70. Hablo de The Band, Creedence Clearwater Revival o Lynyrd Skynyrd. Porque nadie podrá contradecir la certeza de que muchas de estas canciones suenan como si tuvieran arrugas y canas, con las almas (algunas vivas, otras no) de John Fogerty, Robbie Robertson, Levon Helm o Ronnie Van Zant sobrevolando el círculo de fuego en un aquelarre de country-blues-rock. Los momentos más ancestrales llegan con “Fletcher”, “My Home Town” y “American Goldwing”, los más briosos con “Your Crying Eye” y “Street Fighting Sun” y los más emotivos con “Love The Way You Walk Away”, “Girl In a Coat” y “Taking It Easy Too Long”. Un disco que no estará entre los mejores del año, pero sí entre los más agradecidos con el pasado. Si Wilco pueden, ¿por qué ellos no?.

www.myspace.com/blitzentrapper

http://www.blitzentrapper.net/

2011-11-03T20:09:00.000+01:00

DISCOS

BEIRUT. The Rip Tide.

Balcanes lejanos.

Zach Condon asombró a propios y extraños en los albores de su proyecto Beirut, con dos discos que bañaron los oídos curiosos de aires remotos y trazas de folclore olvidado. “Gulag Orkestar” (2006) y “The Flying Club Cup” (2007) se empapaban de sonidos fronterizos y gitanos en un esfuerzo hermanador inigualable. Había nacido una estrella, un peregrino que en su ansia exploradora había descubierto el lado más puro y simple de las cosas. Tras un EP bastante aséptico (“March of The Zapotec/Holland”) y un par de años de terapia revitalizadora, el joven músico regresa con este “The Rip Tide” (2011), una continuación parca en temas, menos conmovedora, muy alejada de aquella originalidad. En este álbum Condon se despide de sus amigos los zíngaros, posicionándose en un estrato creativo paralelo al de Stuart Murdoch, por poner un ejemplo. Esto es pop, técnicamente intachable aunque espiritualmente raso. La efectiva y pegadiza “Santa Fe” salva parcialmente los muebles a golpe de casiotone, mientras “Port of Call”, “The Peacock” o “The Rip Tide” parecen querer ondear de nuevo el bellísimo manto tejido en el pasado. Pero ni siquiera esos momentos, modestamente brillantes, aguantan por sí solos el peso de la renuncia. Condon ha dejado de ser diferente para sumergirse en la trivial generalidad.

http://www.beirutband.com/

www.myspace.com/beruit

2011-11-01T17:54:00.007+01:00

DESCUBRIENDO A...

LUKE TEMPLE/HERE WE GO MAGIC

Corren tiempos extraños. Tiempos de asueto necesario, merecido y espontáneo. Las cortinas estaban cerradas pero la música seguía sonando dentro. Muy dosificada, bien seleccionada. Stop al ritmo que marca este mundo. Stop, stop. Entre cuestiones y rebeliones aparece un sujeto llamado Luke Temple, nacido en Manchester, pero el de Massachussets. Vuelta a la luz, renovada conexión aire-pulmones. A la vista de su primer y tercer disco como solista, podría ser otro nombre más que añadir a la caterva de veneradísimos, los Ward, Jurado, Ritter, González, Perkins, etcétera. Pero no hay que caer en el engaño: las propiedades de este tipo se expanden más allá de los confines del folk. Versátil hasta las trancas, con licencia para montar la gorda a golpe vodevilesco, experimentar texturas o sellar con cloroformo las grietas de cada pared. Y con una voz adaptable a cada estilo, volteada sutilmente para parecer un cantante de country con botas de espuelas, un vocalista soul con solapas de terciopelo o un castrati con pololos y babuchas.

“Hold A Match for A Gasoline World” (2005) y el reciente “Don´t Act Like You Don´t Care” (2011) son sus dos títulos más cercanos a la música de raíz: folk, country, jazz y arrebatos de big band. Entre ambos se cuela el exótico, bizarro y radicalmente opuesto “Snowbeast” (2007), plagado de riesgo, barroquismo y lírica. Aparte de sus álbumes en solitario, Temple apadrina un proyecto colectivo para desarrollar con más fuerza su inclinación más moderna, experimental y a ratos bailable: Here We Go Magic es un poco de Grandaddy, un poco de The Flaming Lips y un poco de The Beach Boys. Las canciones del nada desdeñable “Pigeons” (2011) se mueven entre estos nombres sin perder de vista la psicodelia y el pop de los 80. Nada que ver con el sugerente aroma clásico de “Someone, Somewhere”, “More Than Muscle”, “Get Deep, Get Close”, “Ophelia” o “In The Open”, temas superlativos que agarran con extrema facilidad, como un chicle que nunca pierde su sabor.

www.myspace.com/luketemple

www.myspace.com/herewegomagic

2011-07-28T19:30:00.003+02:00

DISCOS

EDDIE VEDDER. Ukulele Songs.

Eddie al desnudo.

Vaya con el dichoso ukelele, ese manejable retaco de cincuenta centímetros, cuatro cuerdas y exóticas credenciales. Ya era hora de dedicar un disco a este instrumento tan simpático. Con tal homenaje se atreve Eddie Vedder. ¿Quién más podría hacerlo?. Un valiente entre valientes, un hombre sin pudor a la hora de demostrar la desnudez más extrema. “Ukulele Songs” (2001) no tiene trampa ni cartón, es simple como el mecanismo de un chupete. Es pura economía e intimidad, dos escasos protagonistas (las cuerdas del instrumento y la versátil voz de Vedder) y algunos secundarios de lujo (el sutil chelo en “Longing To Belong” y los coros de Chan Marshall y Glenn Hansard). Remontando tópicos y usos comunes, las cuerdas de este pequeño amigo musical se confirman como algo poderoso, superando el límite del mero acompañamiento. ¿Acaso imaginábamos estos sonidos, esta fuerza, esta declaración de independencia?. Un vigor que se impone en la inicial “Can´t Keep” y ya no cesa, con un amplio espectro de tonos y matices.

Con un ukelele se pueden perpetrar varios trucos de magia, como lograr que canciones de corte rock se despojen de sus vestiduras (“Can´t Keep”, “You´re True” o “Light Today”) o acotar las dimensiones en las que se mueven el country y el soul (las cálidas versiones de clásicos como “Sleepless Nights”, “Tonight You Belong To Me”, “More Than You Know” y “Dream A Little Dream of Me”). Aunque lo más fácil acaba siendo cazar al vuelo las más hermosas melodías folk (ejemplos: “Sleeping By Myself”, “Goodbye” o “Satellite”), pues a fin de cuentas el ukelele es un instrumento para el folk: ese folk de sala de estar, de rincón improvisado, de hoguera nocturna. Sí, este es otro disco de folk. Es la voz de su autor solo ante el peligro, expuesta al abucheo y al silbido, al ninguneo o el bostezo. Es la arriesgada atmósfera que circunda al músico introspectivo, el que viaja sin más equipaje que sus verdades y sin más compañía que su instrumento, el que se sienta en una silla para abrir su pensamiento al que quiera leer entre líneas. No es un mundo nuevo para él: ya lo exploró (Sean Penn mediante) en aquel magnífico y cinematográfico “Into The Wild” (2007). Justo en el momento en que Pearl Jam cumplen 20 años, con antologías audiovisuales varias en proceso, su líder demuestra que es posible desmarcarse, reinventarse y liberarse. Y por cierto, bonita portada.

www.pearljam.com

2011-07-16T18:22:00.002+02:00

DESCUBRIENDO A...

SAM AMIDON

Sigo revolviendo entre los discos pendientes de airear y me encuentro con “All Is Well” (2008) y “I See The Sign” (2010). Son dos gemas de un joven de Vermont que nos hace relamernos de gusto. Este tipo desenfadado y un poco loco ha bebido mucha música desde la cuna. Lo clásico y lo contemporáneo se dan la mano en una obra arcana, profunda y tan gélida como los paisajes donde fue ideada. Hablo de paisajes islandeses, esos que, cuando no están tiznados por las cenizas de volcanes rebeldes, irradian luz blanca. Porque el joven Amidon se apunta a la aventura de otros, como Ben Frost o Aaron Thomas, y se sumerge en las brumas nórdicas para crear un sonido que no puede negar su lugar de origen.

Las siluetas de Nick Drake, Paul Simon, Mark Kozelek o José González aparecen como fantasmas mientras suenan estas canciones. Unas canciones que piden a gritos la penumbra, la inactividad y la reflexión. Canciones que se mueven al ritmo de un péndulo que bascula a cámara lenta. Y hasta el mismo Woody Guthrie asoma la nariz para unirse a tan íntimo y riguroso ritual. En “All Is Well” (2007) el argumento es sólido y homogéneo. “I See The Sign” (2010) dirige ocasionalmente el periscopio hacia otros horizontes como la música étnica o el jazz. Una bendición para oídos saturados y exhaustos, parapetados contra polvo y paja.

www.samamidon.com

www.myspace.com/samamidon

2011-07-14T17:41:00.003+02:00

DESCUBRIENDO A...

O EMPEROR

El verano es mala época para casi todo. También para la inspiración. El calor abotarga las neuronas y las palabras se estancan. De ahí que ponerse a darle a la tecla suponga todo un esfuerzo y postear el resultado todo un triunfo. En estos días ralentizados de pereza descomunal la música pasa de razón de ser a mero entretenimiento ocasional. No es tiempo de ponerse a indagar, sino de sacar del almacén las cosas acumuladas y quitarles el precinto. Como “Hither Thither” (2010), primer y único disco de este quinteto irlandés al cual se llega por un caprichoso camino: la comparativa bondadosa con Grizzly Bear.

Hace falta tener las zarpas muy largas para alcanzar a los insuperables de Brooklyn. Las preciosas “Sedalia”, “Heisenberg” y “To The Sea” lo intentan, se aproximan al espejismo del oso aunque les resta un trecho para llegar a su excelsitud. Sin embargo O Emperor no son el penúltimo bollito folky de la hornada; son más bien un grupo de indie pop que se pone onírico o romántico según sople el viento. Como los Coldplay de ayer o los Radiohead de antes de ayer. Un resultado que, desde luego, nada tiene que ver con las influencias clásicas utilizadas en el aprendizaje (The Rolling Stones, Led Zeppelin, Pink Floyd). Su rol como teloneros de los súbitamente-elevados-a-cabeza-de-cartel-de-festivales Mumford & Sons ha contribuido a convertirlos en fuente de interés global. Plantados en un ecuador imaginario, entre el hype intranscendente y la indagación sincera y espiritual, veremos de qué lado se decanta la balanza.

www.oemperor.com

www.myspace.com/oemperorofficial

2011-07-05T18:17:00.004+02:00

CANCIONERO

THE KINKS. Mister Pleasant.

Hay muchas canciones de The Kinks que podrían ocupar este espacio. Podrían ser las míticas “You Really Got Me” y “All Day and All of The Night” de sus comienzos. También podrían ser la pionera “See My Friends” o las entrañables “Sunny Afternoon” y “Waterloo Sunset”. Quizá también esa divertida y criticona “Dedicated Follower of Fashion”. Pero hay una canción en el repertorio de los hermanos Davies que siempre asoma la cabeza por encima de las demás, y es “Mister Pleasant”. Sus efectos sobre el ánimo son mágicos, misteriosos e inmediatos. A veces viene bien contar con un botiquín de canciones analgésicas y estimulantes para los momentos chungos.

Esta canción nunca llegó a coronarse como éxito notorio de la banda, ni siquiera brilló dentro de ninguno de sus álbumes (solo en los extras de la reedición digital de “Face To Face”), incluso se prescindió de su publicación como single en el Reino Unido. Pero ahí está, indispensable en cualquier recopilación de ese primer y fructífero periodo creativo que abarca desde 1965 hasta 1967. “Mister Pleasant” dedica guiños coquetos al Music Hall, y su letra es otro episodio más en la extensa serie de descripciones costumbristas implacables de Ray Davis. Lo dicho, un elixir revitalizante.

MISTER PLEASANT

Oh Mr. Pleasant, how is Mrs. Pleasant?

I hope the world is treating you right,

And your head's in the air,

And you're feeling so proud,

'Cause you're such a success,

And the whole wide world is on your side, hey hey.

How are you today?

People say Mr. Pleasant is good,

Mr. Pleasant is kind,

Mr. Pleasant's okay,

Mr. Pleasant don't mind.

As long as Mr. Pleasant's all right, hey hey.

How are you today?

How's your father, how's your mother?

How's your sister, how's your brother?

How's your brand new limousine,

Twenty-four inch TV screen?

Did you like prosperity

More than you liked poverty?

Life is easier, so much easier, life is easier now.

Oh Mr. Pleasant, how is Mrs. Pleasant?

Did you know she was flirting around

With another young man,

And he's taking her out

When you have to work late?

And it's not so pleasant after all, hey hey.

How are you today?

www.thekinks.info

www.raydavis.info

www.davedavis.com

2011-06-18T12:11:00.003+02:00

DESCUBRIENDO A...

SEAN ROWE

El más reciente descubrimiento de la temporada es un músico de la zona de Nueva York de voz tremebunda y aficiones silvestres. Las comparaciones con Leonard Cohen y Van Morrison son la tónica general, y aunque tópicas, no son nada desacertadas. De hecho, Sean Rowe posee cualidades de barítono que deslumbran, conmueven y dejan huella. Y hablando de Cohen, hace unas semanas conocíamos una de las pocas noticias que en los últimos tiempos nos han hecho sonreír: su premio Príncipe de Asturias de las Letras. Pero volvamos a Rowe y a su álbum “Magic” (2011), obra a ratos rugosa y a ratos delicada. Poco acompañamiento hace falta para una garganta como la suya; pase lo que pase, esa voz siempre acapara el primer plano, todo lo demás es secundario.

Las comparaciones con los dos clásicos mencionados son evidentes, pero no menos digna es su conexión con un compositor al que se asemeja en estructuras, timbre y lírica: Mark Eitzel. La sombra del californiano ya se cierne sin atisbo de duda en la inicial “Surprise”. Tampoco es nimia su asimilación a otro nombre de profundidad vocal superlativa, casualmente otro tipo llamado Mark (Lanegan) con el que se establece un parentesco íntimo en “Old Black Dogde”. Sus tres puntos fuertes (folk, canción americana de autor y blues) germinan en maravillas como “Night”, “American” y “Wrong Side of the Bed”. Con todos los honores Rowe se cuela en una selecta lista capitaneada por el premiado canadiense y el león de Belfast; club de élite con comensales tan ilustres como Howe Gelb, Bill Callahan o Stuart Staples.

www.seanrowe.net

www.myspace.com/seanrowe

2011-06-16T19:38:00.004+02:00

RETROSPECTIVAS

J.J.CALE. Naturally.

Joyas de los setenta (8ª parte).

Cuantísimo tiempo sin mirar atrás. ¿Por qué?. No lo sé. Son rachas. Hay días en los que el presente te parece la cosa más fantástica del mundo y días en los que si no viajas al pasado mueres. Para ser justos, “Naturally” (72) lleva más de un mes en perspectiva. Otro Cale después del último Cale. Hace un par de días sonaba “Call Me The Breeze” en la tele, poniendo ritmo a un anuncio de no sé qué (lo siento, no presto atención a la publicidad). Curioso esto de la televisión. Algunos siquiera podrán imaginar que la cancioncita tiene ya más de cuarenta tacos. Creerán que han descubierto la pólvora gracias a la caja tonta, la imagen de marca y el cruel consumismo. Se sentirán como Hernán Cortés, colonizando tierras que de nuevas nada. En alguna parte leí una vez algo que nunca olvidaré: “Definición de música indie: la que sale en los anuncios de la tele”. Reconozco que me fastidia que una canción que me gusta se apunte al juego de la compraventa y la engañifa. Pero esto es lo que hay, y me aguanto.

“Naturally” supone el álbum de debú de un artista dedicado muy a menudo a abonar la gloria de otros. De hecho, en este disco se concentra una sonora reivindicación de autoría: la de “After Midnight”, popularizada en sus orígenes por Eric Clapton, quizá una de las composiciones más sofisticadas y brillantes de J.J. Cale. Reivindicación sin un ápice de soberbia, que conste, pues el de Tulsa y Clapton siempre han sido buenos amigos y mejores colaboradores. Oh, Tulsa, esa ciudad prestada a las más variopintas leyendas, cuna de sonidos inconfundibles. Este álbum reproduce con inmejorable tino la esencia del “Tulsa sound”, ese mano a mano cálido y riguroso entre el blues, el jazz y el country. Ese sonido de andar por casa, hogareño y hasta un poco lo-fi. Un disco que hace honor a su nombre, exhibiendo una naturalidad casi milagrosa. Casi todas las canciones que lo componen mantienen inequívocas estructuras blues, avanzadas en revoluciones o adornadas para emparentarlo con palos tan diversos como psychobilly, swing, calipso o easy listening. Canciones de poco más de dos minutos que, sin mucha pretensión, lo dicen todo. Porque la música de Cale ha sido una de las más demandadas a préstamo de la historia y con razón. Sus canciones son dúctiles y maleables, adaptables al oído de cualquiera. He ahí la enorme cantidad de versiones de sus temas que pululan por las carreteras (principales y secundarias) de la miscelánea pop-rock. En este disco hay unas cuantas y ya hemos hablado del curioso caso de “After Mighnight”, a la que no solo Clapton echaba el guante, también Jerry Garcia. Pero hay más: Lynyrd Skynyrd se apropiaron de una “Call Me The Breeze” casi hecha a su medida; Kansas hicieron lo propio con la chispeante “Bringing It Back” y Waylon Jennings con el genuino aire sureño de “Clyde”. Funkadelic dieron una vuelta de tuerca a “Call The Doctor” y Johnny Rivers acunó el mojo de “Crazy Mama”. En tiempos más recientes, el intrépido Tom Barman (dEUS) se atrevía en la intimidad con “Magnolia” (también con “After Midnight”). Son solo algunos ejemplos. Recopilar todo el elenco de covers podría ser un pasatiempo interesante para estas vacaciones. O el tema principal de una tesis doctoral.

www.jjcale.com

2011-06-09T16:43:00.005+02:00

DISCOS

JESSE SYKES & THE SWEET HEREAFTER. Marble Son.

Música de verdad.

Que paren el mundo que yo me apeo: con este disco bajo el brazo. Qué hermosura, qué grandeza, qué dolor. Pero dolor de placer. Es salvajemente bueno. El ahora o nunca, el gran salto de la mujer con la voz más gastada e intrigante de nuestra generación. Ella es Jesse Sykes y esta es su carta certificada de amor al rock. Porque sí, en “Marble Son” (2011) hay más rock de lo esperado, explosiones eléctricas que llenan de flores las tumbas de los mitos, riffs antológicos, roja sangre hirviendo. También hay folk, ese folk cadencioso dibujado en bellísimas canciones que embalsaman el oído y acarician la piel. Ella y ellos han sabido como nadie atrapar el viejo espíritu, entonando salvas a Neil Young y Jefferson Airplane. Un disco con poderes fácticos, inconmensurable de principio a fin.

Y es que su principio seduce de inmediato; la rompiente ruidosa de “Hushed By Devotion”, épica presentación de ocho minutos que combina el marasmo de sus estrofas susurrantes un poco a lo Slowdive en “Pygmalion” (95) con temblores guitarreros de quitar el habla. Pieza que establece la presunción de disco glorioso. El resto no hace más que confirmarlo. Sutilezas como “Marble Son”, “Come To Mary”, "Servant of Your Vision", “Be It Me Or Be It Done” y “Birds of Passerine” condensan el aire y dejan cicatrices de puro gusto. La vena ultrarockera se desata en temas como “Ceiling High” (Neil a tope), “Pleasuring The Divine” (Jefferson 100%) o “Your Own Kind”, con ese culminante punteo final cercenando la carne con saña. Una mención especial para los mil paisajes de niebla, mística y relax recreados en la poderosa “Instrumental”, en la que evidentemente no escucharás ni una sola palabra: ni falta que hace, las guitarras platican por sí solas y su discurso es universal.

58 minutos de pura magia, envolventes y sacros. “Marble Son” es de momento mi disco del año. Está lleno de música. Pero de música de la de verdad. Todas las puestas de sol en las bahías, todo el aceite vertido en las carreteras, todo el polvo levantado por los huracanes, toda el agua de las ciénagas del delta. Todo está aquí dentro, sí señor. Solo hay que descubrirlo. ¿Por qué vosotros, tristes mortales, os resistís a descubrirlo?.

http://www.jessesykes.com/

www.myspace.com/jessesykes

2011-05-31T18:49:00.009+02:00

CONCIERTOS

PRIMAVERA SOUND 2011

Sábado.

JOHN CALE: Acceso al auditorio sin ticket de reserva y por los pelos. Bingo. “Paris 1919” merece esa incertidumbre y tensa espera. John Cale es uno de esos grandes que siempre se había escapado por pitos o flautas. El concierto prometía, no solo por su temática, también por su formato. Y no defraudó. Los mitos como Cale jamás defraudan. Encorbatado, con falda galesa y muy bien arropado: por su banda, un trío exquisito que se lució (especialmente en los temas de regalo) y por BCN216, la orquesta residente del Auditori. Con tal cantidad de buenos músicos por metro cuadrado era obvio que el disco invitado debía sonar grandioso y especial. Y extraordinariamente especiales resultaron “The Endless Plain of Fortune”, “Paris 1919”, “McBeth” y “Half Past France”: dejando poso, despertando sensibilidades secretas, haciendo casi llorar. Grande no, enorme.

FLEET FOXES: No entiendo el fenómeno Fleet Foxes. No son nada modernos. Hacen folk puro y duro, música de hace cuarenta años. Música que, desgraciadamente, ya no mola, ya no vende. Pero ahí están, reventando el escenario San Miguel como jamás se había visto en este festival a estas horas de la tarde. Debe ser que la gente no es tan tonta y ha captado el mensaje de sus canciones hermosas sobre árboles, pájaros, amistad y tiempos mejores. Me cachis, sigo sin entenderlo: los mismos que corean esas canciones no paran de mirar el Twitter en sus móviles. En fin, su concierto fue de nota alta e inmaculado. Más o menos lo que se esperaba. Con tonadas y armonías tan requetebuenas y con lo bien que saben tocar, lo tienen todo hecho. Decidieron no abusar de “Helplessness Blues” y dedicar más tiempo a sus viejas canciones, esas que nunca tuvimos el placer de degustar en vivo porque es la primera vez que pisan suelo español. Y vaya, “Sim Sala Bim” y “The Shrine/An Argument” son tremendas, pero “Ragged Wood”, “Drops in The River”, “Mykonos”, “Your Protector”, “White Winter Hymnal” y “Blue Ridge Mountains” no tienen nombre. Son como una bocanada de aire fresco. El que no se deleite con ellas es que no tiene sangre en las venas.

EINSTÜRZENDE NEUBAUTEN: Faltan las palabras. Qué difícil es contar un concierto de los Neubauten. Ladrones de desguaces, recicladores de chatarra. Artistas e ingenieros. Padrinos de un sonido imposible de replicar. Alemanes, evidentemente. Máquinas perfectas haciendo música de otra esfera. Jugando con instrumentos y cachivaches nada convencionales, con el tiempo y el silencio. Diseñando y construyendo un show de antología. La leyenda es verdadera. Blixa Bargeld tuvo uno de sus buenos días, otro elegante, poderosísimo y marcial maestro de ceremonias al que no hay quien le tosa. Alexander Hacke y Jochen Arbeit son dos lobos feroces al bajo y la guitarra. Pero definitivos en la idiosincrasia de la banda son Rudolf Moser y Andrew Chudy; sin su delirio de percusiones catatónicas nada tendría sentido. “The Garden” abrió el surrealista recital, seguida por esa obra maestra post-industrial llamada “Die Befindlichkeit Des Landes”. “Let´s Do It A Da-Da” pulsó el botón del trance, “Haus Der Luege” el del metal extremo, “Sabrina” y “Susej” mostraron el lado humano de las bestias. Malditos festivales, ¿por qué grupos así tienen que marcharse tan pronto?. Ni siquiera los fogonazos de “Redukt” consiguieron aplacar el hambre. Indescriptibles, únicos, de otro mundo.

PJ HARVEY: Hay que ver lo que cuida Polly últimamente la puesta en escena. Todo estudiado al milímetro. Como una aparición mística, de blanco y con plumas en el pelo. Y cómo no, acompañada por unos impecables Mick Harvey, John Parish y Jean-Marc Butty situados a muchos metros de ella y prácticamente invisibles. Bonito pero inapropiado para un escenario mastodóntico. Ni el sonido, ni su voz ni sus ondas magnéticas llegaban más allá de las primeras filas. Como la luz de una pequeña vela tratando de iluminar una nave industrial. “Let England Shake” sonó casi al completo, reproducido con una exactitud pasmosa. Y lo bueno que tiene PJ Harvey es que busca y rebusca en su baúl particular antes de cada concierto, y se saca de la manga no solo trapos y complementos asombrosos, sino esas canciones que nunca habrías esperado, que llevan tanto tiempo en barbecho. Esta vez le tocó el turno a “C´mon Billy”, “The Pocket Knife” o “Angelene”. También se sumaron “Down By The Water”, “The Sky Lit Up”, “Big Exit” y una final y aguerrida “Meet Ze Monsta”. Revisando todas las etapas de su historia pero sin viajar lo suficientemente atrás: faltaron “Dry” y “Rid of Me”. Pero es que claro, aquella y esta Polly Jean nada tienen que ver.

THE JON SPENCER BLUES EXPLOSION: La explosión blues ha resucitado: aleluya. Jon Spencer, Judah Bauer y Russell Simmins han vuelto por sus fueros, haciendo lo que mejor saben: dejarse la piel y la sangre en escena, volver loco al personal. Una hora y pico llena de blues-rock grasiento y desmadrado. Ni una pausa más larga de tres segundos, ni un jodido respiro. Ni te da tiempo a asimilarlo; sus conciertos son de esos en los que no dejas de repetirte “no sé qué están tocando pero me encanta”. Por ahí se adivinan “She Said”, “R.L. Got Soul” y “Bellbottoms”. Todo junto, a veces revuelto. Da igual, es todo un espectáculo. A media luz y echando toda la carne a la parrilla. Al final suena “Magical Colors” engordada a base de electricidad, espasmos y pedales, desembocando en un terremoto que parte los huesos al grito de guerra de “blueees explooosion”. Excitante, tremendo y agotador.

ANIMAL COLLECTIVE: Ya van dos. La segunda oportunidad que doy a Animal Collective y la segunda vez que no puedo soportarlos. Sí, seguro que son el grupo más innovador, molón y original del planeta, unos refrescantes geniecillos y bla, bla, bla. Pero ¿qué clase de aberración estaban perpetrando para clausurar el festival?. ¿Qué estaban tocando?. ¿Qué se traían entre manos?. Algunos bailan porque a esas horas todo les da igual, y otros se quedan mirando el escenario con cara de tontos. De repente “Brother Sport” devuelve un poco a la vida, pero nada, todo espejismo. Panda Bear y sus chicos han decidido nuevamente ser los más chulos del lugar. Y hay horas, plazas y situaciones en las que el riesgo se paga caro. Adiós, Animal Collective, adiós ahora y para siempre.

2011-05-31T18:25:00.010+02:00

CONCIERTOS

PRIMAVERA SOUND 2011

Viernes.

AINARA LEGARDON: La jornada del viernes comenzaba más o menos como la del jueves: con una gran mujer rockera cara al sol. Solo que a la bilbaína se le nota más solidez, el rodaje fruto de la veteranía. Las comparaciones son odiosas, pero Ainara lleva a sus espaldas la etiqueta de émula de la PJ Harvey primitiva. Las canciones del último “We Once Wished” fueron las protagonistas de un show plagado de espasmos eléctricos, de surcos cavados en la tierra reseca, de vidas sin aire y plantas sin agua. “You Gave Me” es un ejemplo de cómo el rock puede remover las entrañas.

AVI BUFFALO: Contentos de estar por primera vez en España, el jovencísimo cuarteto de Long Beach pecó de novato, o quizá de suicida: decidieron regalar un puñado de canciones nuevas (que muy pocos conocían) en detrimento de su luminoso y virtuoso álbum de debú. Y no es que las nuevas estén mal (no, están de lujo), pero a algunos les apetecía algo más que corear el manido estribillo de “What´s In It For” o babear con la exhibición guitar hero de “Remember Last Time”. A su favor hay que decir que, amén de simpáticos, candorosos y ultracorrectos, poseen un don especial: tocar como curtidos profesionales y sonar como una banda consagrada.

THE MONOCHROME SET: De la reaparición de The Monochrome Set no se podía esperar otra cosa que un batallón de grandes éxitos. Dicho y hecho. Sin despeinarse, elevando la flema británica a la máxima expresión, asumiendo las inconveniencias con desparpajo (esos problemas con la guitarra de Bid), pulcros, exquisitos y enormes. Una gozada recuperar esas canciones directas a la yugular, como “The Monochrome Set” (comienzo obvio), “The Jet Set Junta”, “Eine Symphonie Des Grauens” o “Jacob´s Ladder”. Sí, esto son auténticos temazos y lo demás son tonterías. Apunte obligatorio para la sonrisa eterna de madre de la baterista Jennifer Denitto: qué amor de mujer.

M. WARD: Como no había tenido el gusto de coincidir nunca con este señor, no sabía realmente qué esperar. Todo un placer, Mr. Ward. Me hizo usted pasar uno de los momentos más vibrantes, carnosos y auténticos de todo el festival. Me hizo usted revivir a los clásicos que tanto amo y cerciorarme de que el mojo todavía existe. Me hizo usted deleitarme con el dulcísimo sabor de “Poison Cup”, “Chinese Translation” y “Fisher of Men”. Y aunque me privó de mi adorada y venerada “Stars of Leo”, se lo perdono. Gran sorpresa. Acompañado de una banda impresionante (con doble batería), centró su repertorio en los anacrónicos y espléndidos “Post-War” y “Hold Time”, sin escatimar en guiños interesantes: a su entretenimiento paralelo Monsters of Folk, a Buddy Holly (“Rave On”), a Howlin´Wolf (“Howlin´for My Baby”), a Daniel Johnston (“To Go Home”) y hasta al amo Chuck Berry (“Roll Over Beethoven”). Demostrando una actitud en el escenario propia de los más grandes, postulando a la categoría de hijo adoptivo de Neil Young. Torero.

PERE UBU: David Thomas ya no es el mismo, ¿o si?. Convertido en la mitad, machacado por unos años que no pasan en balde, pero genio y figura ante todo. Un maestro de ceremonias implacable para dictar los caminos de un disco que marcó una época, una nueva lectura del punk y el garage. Y “The Modern Dance” jamás sonó tan impoluto, tan límpido, tan rabiosamente actual. Como solo dura 36 minutos, había que aderezarlo para su puesta en escena con algún que otro zambombazo del estilo de “Final Solution”. Después, el álbum ordenado y al completo, majestuoso. Entre pieza y pieza pequeños y divertidos speech, historias sobre la incomprensible naturaleza del azar y las relaciones amorosas, lecciones de vida de un hombre que, entre berrido y lingotazo, nos demuestra una vez más que no es un alien, sino un ser terriblemente humano. Merecido bis, sí señor.

LOW: La música de Low detiene el tiempo, acota el espacio. Tras dos o tres canciones hay una cortina invisible a tu alrededor; nada existe, ni la gente, ni la noche, solo ellos. Atrapan. “Nothing But Heart” puede ser un comienzo demasiado arriesgado pero suficientemente determinante: calma, muchachos, no hay prisas que valgan. “C´mon” fue el protagonista, con unas “You See Everything”, “Especially Me” o “Witches” que dejaron sin aliento. La relectura más sosegada de “Monkey” demostró que hasta lo más mínimo puede ser moldeado con un poco de paciencia y amor. “Silver Rider”, “Sunflowers”, “Murderer” y “Canada” volvieron a aparecer pero ¿a quién le importa que se repitan?. Y por cierto, la conexión Low-Retribution Gospel Choir queda definitivamente definida: Eric Pollard también estuvo acompañando a los teclados. Una familia que crece, se expande y se convierte cada vez más en una piña. Ya lo dijo Alan Sparkhaw en su alarido final: “Your family is forever”.

DEERHUNTER: Cada vez que vienen al Primavera Sound tocan en un escenario un poco más grande. Ya solo les queda el San Miguel. Tras verlos por cuarta vez una cosa queda clara: que su credibilidad y solidez como banda crece en progresión geométrica. Sus discos pueden resultar a ratos incómodos, pero en directo queman y arrasan. Melodías de bandera retorcidas en llamas a golpe de pedal. “Desire Lines” y “Hazel St.” formaron un tándem inicial de ensueño. Sin pausas ni titubeos, ofrecieron un concierto megalítico, lleno de momentos gloriosos. Como esa estratosférica “Nothing Ever Happened” ensamblada con la sui generis versión de “Horses” de Patti Smith. O como una bellísima “Helicopter” que recordó la estela onírica de Mercury Rev. O como ese atracón lisérgico de la mano de “He Would Have Laugh”. Puede que a veces se gusten y recreen en demasía con alardes progresivos innecesarios, pero la evidencia es lapidaria: son superlativos.

PULP: El retorno puntual a la vida de Pulp también era uno de los platos más deseados del festival, a tenor de la congregación de público en la explanada San Miguel. Y como era de esperar, Jarvis Cocker dio la talla, sacando a pasear de nuevo lo mejor de su faceta payasera y exhibicionista. Como en los mejores tiempos. “Do You Remember The First Time?” dio el pistoletazo de salida. Se habían anunciado canciones de todas las épocas y las hubo, aunque las ovaciones para “Different Class” se llevaron la palma. “Disco 2000”, “Something Changed”, “Sorted for E´s & Wizz” y “F.E.E.L.I.N.G.C.A.L.L.E.D.L.O.V.E” siguen poniendo la pica en algún lugar (ya recóndito) de un corazoncito crecido, sufrido y curtido en otras batallas. Pero ya no es lo mismo. El momento Pulp ya pasó. Igual que el momento Suede ya pasó. Igual que tantos y tantos momentos pasaron. Celebras a los clásicos revividos cuando te vuelven a hacer sentir lo mismo que en el pasado. Pero eso no ocurre con Pulp. Al solemne compás de “This Is Hardcore” me retiro. Y le digo adiós a “Common People” sin ningún remordimiento.

2011-05-31T10:44:00.011+02:00

CONCIERTOS

PRIMAVERA SOUND 2011

Jueves.

MARINA GALLARDO: Tarjeta recién vinculada y primeras sospechas de fiasco flotando en las precintadas barras de bebida. La madrugada vespertina nos llevaba a pelear con un sol de justicia, aunque no tanto como a Marina Gallardo. Tocar en el Ray Ban a esas horas es una putada como un piano. Aún así, la gaditana y su banda construyeron un concierto sombrío y contundente, lleno de aristas y rabia contenida, dejando el folk acústico para otro día. Falta voz pero sobran canciones: siniestras canciones, enormes canciones.

ISLET: “Celebrate This Place” y “Wimmy” son dos chutes tales de adrenalina que resulta imposible no sucumbir a la curiosidad. En efecto, los galeses en directo están tan zumbados como se presuponía, superando incluso la ficción. Rotaciones instrumentales, gritos de guerrilla urbana y bacanal de percusiones krautrockeras con vía libre a la espontaneidad. Los fantasmas de Liquid Liquid (un año antes en el mismo escenario) sobrevuelan las cabezas. “Horses and Dogs” y la absoluta “Iris” quedaron bordadas pero “We Shall Visit” fue pura descoordinación. Energético y loquísimo mini-concierto.

DM STITH: El de DM Stith también fue un mini-concierto; apenas cuatro canciones como excusa para introducir a su amigo Sufjan. La clásica estrategia de guitarra acústica y pedal de repetición para un par de temas, un sutil acompañamiento para los otros dos. Benditos los músicos de formato ahorrativo; susurros, silbidos y chasquidos se multiplicaron como panes y peces llenando de magia el auditorio. Un músico de otra dimensión (cuánto recuerda a Patrick Watson) al que ya le llegará su momento de gloria.

SUFJAN STEVENS: No hago más que leer estos días que el de Sufjan Stevens ha sido el mejor concierto de las vidas de muchos. Señaladme, detenedme, condenadme y quemadme en la hoguera si queréis porque yo, lo confieso, y también pido perdón, no conseguí llegar hasta el final. Es incontestable que visualmente el espectáculo (fluorescentes, proyecciones, bailarinas) no tiene parangón. Pero no sé de qué lado posicionarme; no sé si asombrarme, si reir o llorar. No sé si es cool, si es hortera, si es fastuoso o forzado. La metamorfosis de este tipo no termino de entenderla. El show se centró en su reciente “The Age of Adz”, con sus cósmicas canciones desfilando una por una casi en estricto orden. “The Age of Adz”, “Get Real, Get Right” y “Vesuvius” me tocan en momentos puntuales, pero otros detalles (bailecitos incluidos) me enervan. Prefiero un millón de veces verlo solo atacando el “The One I Love” de REM con su acústica, o verlo sosegado al piano para abordar “Now That I´m Older”. De repente ya no puedo más, tanta megalomanía y faraonismo me supera, empiezo a sentir náuseas o ansiedad o yo que sé qué, y me tengo que marchar. Sí, sé que por idiota me perdí “Chicago”. Pero era huir o morir .

GRINDERMAN: Ay, querido Nick Cave, qué ganas se te tenía en este festival. Cómo se hacina y rebulle la marabunta a tus pies para no perder detalle. Por supuesto, al australiano le basta con levantar un dedo para cambia el orden del mundo. Él tiene el poder. Es un animal. Sin sorpresas, el concierto fue otra de sus típicas borracheras de truenos y relámpagos. Y eso que no sonó del todo bien, que “When My Baby Comes” o “Palaces of Montezuma” causaron más pupa que placer. Aún así, sus canciones-puñetazo conquistan todos los vastos y sagrados territorios del rock. Desde los aullidos de “Mickey Mouse and The Goodbye Man” hasta la sangre coagulada de “Love Bomb”, pasando por el aceite hirviendo de “Get It On”, “Honey Bee (Let´s Fly To Mars)” o “No Pussy Blues” y una “Grinderman” interpretada de la forma más colosal posible. Dichosos aquellos que en las primeras filas pudisteis tocar la mano del Mesías, bajando de los cielos a la tierra al ritmo abotargado de “Kitchenette”.

SUICIDE + INTERPOL: Lo que Nick Cave dice va a misa (esto ya lo he dicho antes). Y como Nick Cave nos dice que no nos perdamos a Suicide, le hacemos caso. Estaba dentro de lo previsto. También estaba dentro de lo previsto que “First Album” sonara salvaje. Demasiado salvaje. Insoportablemente salvaje. Una jodida taladradora haciendo añicos el cráneo. Jesús, cómo ha envejecido Alan Vega, si casi no se tiene en pie. Aunque el cigarro puro no hay quien se lo quite. Dios sabe que hacemos un esfuerzo, pero a la altura de “Girl” los sesos empiezan a derramarse sobre el cemento. Es tiempo de retirada, de un larguísimo paseo hasta el escenario Llevant. Si el año pasado el Vice estaba en Badalona, este año este nuevo emplazamiento está cerca de Gerona. Allá se lucen Interpol, impecables y asépticos como de costumbre, tirando de canciones nuevas con demasiada alegría. Aparece “The Heinrich Maneuver” en un atisbo de recuerdo. Pero las de más atrás no llegan, el cansancio y la impaciencia ganan la batalla y toca sacar el billete de vuelta. De vuelta a Barcelona, de vuelta al festival.

THE FLAMING LIPS: No lo puedo remediar: The Flaming Lips son como una droga. Me hacen tan sumamente feliz que nunca podré desengancharme de ellos. Qué forma de salvar una jornada tan estresante y accidentada. Qué forma de devolvernos la fe. Qué espectáculo tan maravilloso, sin trampa ni cartón, sanísimo, puro como el corazón de un niño. Mucho más sincero, fresco y estimulante que lo de Sufjan. Los conciertos de los de Oklahoma llevan manual de instrucciones: nos lo leyó Wayne Coyne en los preámbulos. Su paseo estelar dentro del globo gigante es ya un clásico. Un comienzo atronador seguido de la atronadora “Worm Mountain”. Un montón de globos, humo y confetti escupido a cañonazos. Vamos, el rollo de siempre, pero siempre apoteósico, siempre como nuevo. También hubo pop espacial, rock y psicodelia de la buena, con Coyne ejercitándose más de lo corriente a la guitarra (fantásticas guitarras tuneadas). Nunca faltan “The Yeah Yeah Yeah Song” o “Yoshimi Battles The Pink Robots”. “Pompeii Am Götterdämmerung” (a golpe de gong) y “What Is The Light?” (a golpe de karaoke) nos dieron alas para volar. Y para postre, el desenlace que todos intuíamos: “Race for the Prize” y “Do You Realize?”, insuperables para acabar la fiesta en las nubes. ¿Qué se puede decir después de algo así?. Que son unos monstruos. Que la vida es bella.

2011-05-30T18:43:00.007+02:00

CONCIERTOS

PRIMAVERA SOUND 2011

Introducción.

Terminó otra edición del Primavera Sound. Con pena pero también con alivio. Una edición que da para verter ríos y ríos de tinta. Este festival no es lo que era. Por supuesto no es lo que era hace años, cuando el Pueblo Español era el epicentro de actividades. Y por supuesto, no es lo que era cuando se mudaba al Parc del Fórum allá por 2005. Convertido en un monstruo de muchas cabezas y largos colmillos, la palabra “macro” empieza ya a quedarse corta. Su sobredimensionamiento lo ha convertido en un locura incómoda e inabarcable, una condena de peregrinajes eternos y luchas populosas inverosímiles. El miedo estaba justificado. La bola sigue y sigue girando y engordando. ¿Hasta cuándo?. ¿Hasta dónde?. ¿Tiene fin este ansia megalómana del más y más?. ¿Tiene sentido?.

Y como era de esperar (os lo dije, queridos testigos), ese invento de ideólogos suicidas llamado tarjeta-monedero fracasó. A mí me enseñaron que los experimentos hay que hacerlos con gaseosa, no con 50.000 personas sedientas y con ganas de aprovechar cada minuto de música. En estos tiempos que corren estamos cometiendo el grave error de consagrar nuestra existencia a las altas tecnologías. Pues bien, he aquí la perversidad de la tecnología en todo su esplendor: cuando menos lo esperas se ríe de ti, te abandona y te deja con el culo al aire y las manos vacías. Y por cierto, chapeau por el público del festival, soportando estoicamente las perras colas y la perra sed del jueves sin rechistar.

Está claro que esta no ha sido la mejor edición del Primavera Sound desde el punto de vista organizativo. Está claro que si quieres ver música en este festival debes olvidarte de comer, de beber, de mear, de tus dolores de pies, saberte muy bien los atajos y obstáculos, ser un maestro en tretas y escaramuzas. Y por supuesto, olvídate de ese grupo al que quieres ver de reojo (Sonny & The Sunsets el jueves, Half Japanese el viernes, Phosphorescent, Dean Wareham y Mogwai el sábado), porque no lo conseguirás. El Primavera Sound es la guerra y yo vengo con heridas serias. Aunque también con la satisfacción de haber vivido (en mejores o peores condiciones) grandes momentos de buena música. Momentos que serán comentados en los próximos días.

2011-05-22T12:24:00.004+02:00

AGENDA

PRIMAVERA SOUND 2011

Citas históricas.

La suerte está echada. El Primavera Sound más aterrador de la historia está a la vuelta de la esquina. Tarjeta-monedero, más espacio y escenarios (y seguramente gente), una final de Champions de por medio. He de reconocer que este año siento pánico ante la cita barcelonesa. La organización anuncia un cambio de aires, yo solo quiero rutina y paz. Aunque también quiero buena música en directo y eso se paga. Este festival tiene la enorme virtud de ofrecer oportunidades únicas: o coges el tren o ya no volverá a pasar. Por lo pronto los horarios ya están listos y estudiados, llega la hora de la estrategia. ¿Quién, cuándo y dónde?. Algunas cosas ya están claras. Otras no tanto. Pero he aquí los trenes a los que deberíamos subirnos so pena de perderlos definitivamente.

GRINDERMAN: Aquí no hay duda que valga. Nick Cave siempre es obligatorio. Ya sea con todos los Bad Seeds o con unos pocos, el australiano siempre es garantía de adrenalina. Aún colean las secuelas de su concierto en el Summercase 2008. Las barbas y bigotes cincuentones mejor conservados del planeta entrarán en Barcelona por la puerta grande. Y aunque al proyecto se le vislumbra un amplio recorrido, no perderemos ripio por si acaso. Ojo a las fechorías del incansable Warren Ellis: espectáculo dentro del espectáculo.

P.I.L.: Public Image Limited no es solo la banda del “simpático” entre comillas John Lydon después de los Sex Pistols. Es algo más. Pioneros en el arte de remendar los jirones del punk a finales de los setenta, han aprovechado como tantos la oportunidad de volver a surfear la cresta de la ola. Resucitaron en 2009 y ahora llegan a Barcelona, para jugar el partido decisivo tras un serio pre-calentamiento. Otro viaje atrás en el tiempo.

SUICIDE PERFORMING “FIRST LP”: Alan Vega y Martin Rev revolucionaron los patrones del punk en los tiempos en que las guitarras eran el estandarte reivindicativo por antonomasia. Se sacaron de la manga “First Album”, puro sonido electrostático. A esa obra incomparable rendirán tributo en su actuación en el escenario Ray Ban. Y conociendo sus incandescentes y poco reglados antecedentes sobre las tablas, la cosa se antoja cuanto menos prometedora.

THE MONOCHROME SET: The Monochrome Set se colaban en la parrilla del post-punk a finales de los 70, aunque su repercusión fue mucho menor que la de sus coetáneos. Partiendo de la máxima de guitarras afiladas, abrieron sus horizontes a otros estilos y devaneos arty. Tras idas y venidas e inciertos paréntesis, la banda vuelve a recomponerse para afrontar próximas aventuras. Canciones refrescantes para tardes calurosas.

PERE UBU PLAYS “THE ANNOTATED MODERN DANCE”: Dave Thomas ya paseó su (enorme) palmito por el Primavera Sound allá por el 2005, pero entonces andábamos despistados. Esta será la revancha: una revancha por todo lo alto, con el renacer de sus Pere Ubu sobre los escenarios y el rescate de su disco cenital: “The Modern Dance”. Eso sí, retocado, revitalizado y acompañado de otro buen puñado de singles míticos para la ocasión. Todo un icono del art punk en plena efervescencia.

PULP: Regreso al pasado. Hace unos días eran Suede, ahora le toca el turno a ellos. Un reencuentro tan cacareado y vaticinado durante años que ya nadie se lo creía. Jarvis está en forma, y lo demostró en este mismo festival hace dos ediciones. Solo queda ver con qué agallas defiende unas “Common People”, “Help The Aged” o “This Is Hardcore” que deberían lucir en primera plana. Sí, se augura un hit detrás de otro. Amén de fiesta, carcajadas y un sinfín de recuerdos.

EINSTÜRZENDE NEUBAUTEN: Hace tiempo tuve un sueño; soñé que Nick Cave y Blixa Bargeld tocaban en la misma edición del Primavera Sound removiendo sus cimientos. Cuando el sueño ya estaba en el olvido, va y se hace realidad. A los alemanes se les tiene ganas desde tiempo inmemorial (ay, aquel error garrafal en el FIB 2004). El que quiera asistir a una experiencia de otra dimensión, a música de otra galaxia, no debería perdérselos. Los que quieran punk, los que quieran krautrock, los que quieran metal o los que quieran techno. Y justo a la hora del fútbol, ¡bien!. Y justo a la hora de “Deserter´s Songs”, ¡no!.

MERCURY REV PERFORM “DESERTER´S SONGS”: No hay duda de que “Deserter´s Songs” fue el disco que puso a sus autores en la órbita. Y no hay duda de que se trata de un disco mágico, embriagador y emocionante, convertido ya en un clásico de los 90. “Holes”, “Opus 40”, “The Funny Bird” o “Goddess on a Hiway” pueden saber a gloria bendita bajo el techo estrellado del auditorio. Un espacio que parece un traje hecho a la medida de su música. Repetirán el domingo en el Pueblo Español: dichosos los que no tengan que regresar a casa.

SWANS: Michael Gira insiste: esta no es una reunión oportunista o nostálgica. Es trabajo puro y duro, con la vista puesta en el futuro. Swans volvieron el año pasado con nuevos materiales y, ahora que todos reclaman su parte del pastel, ellos también reivindican su trono a su manera. Pregoneros de la rama más oscura de la new wave, dueños y señores de un sonido solemne y atroz, su concierto hará temblar y dará que hablar. Fijo.

CUZO + DAMO SUZUKI: ¿Qué diantre hace Damo Suzuki tocando con unos barceloneses llamados Cuzo?. Suzuki, genio y figura, espíritu propulsor de la banda madre del krautrock, los indescriptibles Can. Son los caprichos del arte. El japonés y Jaume L. Pantaleón hicieron buenas migas, tan buenas como para editar disco en colaboración y subirse juntos a las tablas. Riquísimo intercambio cultural. Psicodelia intelectual reforzada por la mano de un genio.

JOHN CALE & BAND + BCN216 PERFORM “PARIS 1919”: Al igual que su “amigo” Lou Reed con “Berlin”, John Cale ha decidido ambientar y redimensionar en vivo una de sus obras más gigantes. Cerca de su 40 aniversario, “Paris 1919” merece un trato especial. Por eso, el galés se hará acompañar en el marco incomparable del Auditorio por una banda y por el ensemble orquestal autóctono BCN216. “Hanky Panky Nohow”, “The Endless Plain of Fortune” o “Andalucia” compondrán la mejor merienda posible para cargar las pilas de un sábado demoledor.

DEAN WAREHAM PLAYS GALAXIE 500: Como ya se comentaba en este espacio, Dean Wareham lleva unos meses sacando a pasear las canciones de su primera banda. Aquí no hay reunión pero sigue siendo revival, aunque en otro formato. Algunos opinan que faltará cuerpo y electricidad, demandando un reencuentro verdadero con Damon y Naomi. Aún así, las canciones de Galaxie 500 son tan buenas que, con total seguridad, lucirán un desnudo prodigioso.

THE JON SPENCER BLUES EXPLOSION: Que un día digas “me gustaría que volvieran los Blues Explosion” y al día siguiente aparezcan confirmados para el Primavera es cosa de brujería. Gran noticia la reunión de Jon Spencer, Russell Simmins y Judah Bauer tras la publicación de su grandes éxitos el año pasado. Como Spencer no ha perdido el punch en todo este paréntesis, sangre, sudor y fuego se presuponen. Habrá que asomarse al ATP para sentir el aliento de la bestia, si el cansancio, las distancias y Mogwai no lo impiden.

www.primaverasound.com

2011-05-21T13:22:00.003+02:00

DISCOS

CASS McCOMBS. Wit´s End.

Canciones para detener el tiempo.

Se acabó el humor. Se acabó la alegría. Se acabó la impostura. Si acaso teníamos dudas, escuchemos el nuevo disco de Cass McCombs. En él, el recóndito e introvertido cantatutor defiende la soledad como animal de compañía, como fuente de inspiración, como determinante artístico. Si en los rutilantes “Dropping The Writ” (2007) y “Catacombs” (2009) brillaban a intermitentes destellos el solaz y la ironía, “Wit´s End” (2011) rompe con las mentiras en un ejercicio de sinceridad descriptiva devastador. Con estas ocho canciones Cass detiene el tiempo impertinente. El frenético ritmo de la vida se para: relojes machacados, coches detenidos, aire estancado, humanidad inmóvil. Ocho argumentos que fluyen incansables sobre un escenario reducido a foto fija.

Oigo que dice sentirse inspirado por la pluma de Jack London, mientras “El Vagabundo de las Estrellas” reposa en la lista de títulos pendientes de leer. Una nueva conexión. “Wit´s End” atrapa los sentidos de aquellos que viven sus días sin prisa. Por ejemplo, los lobos solitarios. Aquí no hay ningún “Lionkiller” que valga, la prudencia es el camino. Sin crear el más mínimo estruendo, Cass nos habla de retos impobles, de vivos enterrados, de amores que se apagan, con la sensibilidad de unos mitos literarios favoritos que golpean con su aliento las palabras. También con la destreza de esos mitos musicales a los que McCombs se aproxima con una evidencia científica: Gershwin, Lennon, Cohen, Waits, Henry, Sexsmith. El arte y la verdad están en sus manos. Lamentablemente, tras esos 47 minutos todo volverá a su cruel funcionamiento, la paz se acabará y el efecto terapéutico de “Saturday Song”, “Memory´s Stain” o “Hermit´s Cave” se verá reducido a pequeñas motas de polvo. Es la cruda realidad y el falso mundo en que vivimos.

www.cassmccombs.com

www.myspace.com/cassmccombs

2011-05-15T19:19:00.003+02:00

DISCOS

FLEET FOXES. Helplessness Blues.

Prueba superada.

Qué complicado es todo cuando tu primer disco nace como obra maestra. Y qué complejo cuando todos te reconocen, ensalzan y ponen en órbita. Arrasar con una ópera prima no está claro si es bendición o maldición. Porque luego toca continuar camino. Y la segunda fase se torna un más difícil todavía con bombos y platillos. La maza del juez se alza poderosa e implacable a la espera de dictar sentencia. Esta ha sido la historia de muchas, muchas bandas. Y esta es también la historia de Fleet Foxes, como todos sabemos.

Pues bien, el esperadísimo “Helplessness Blues” (2011) puede regodearse de haber superado la prueba. Robyn Pecknold y los suyos son amigos del duende de los bosques, conocen a la perfección los secretos que susurra el viento. Y así, su nuevo álbum es otro canto a la naturaleza, a los instintos y al amor. Un abrazo amistoso lleno de belleza y buenas intenciones, que se apodera del oído sin prisa pero sin pausa.

“Montezuma” y “Bedouin Dress” pueden resultar inocuas en un principio pero no, hay que seguir, hay que volver a empezar: la magia está escondida entre versos familiares y notas de violín. “Sim Sala Bim” es un monumento primitivo, un árbol del Edén rebosante de guitarras, ukekeles y cascabeles que atrapan el paladar como dulcísimas frutas maduras. Como toda gran montaña, el disco alcanza su cima en la parte central. El remonte arranca con la epatante, oscura, enigmática y muy cajún “The Plains/Bitter Dancer”, donde los de Seattle demuestran ser los nuevos maestros indiscutibles del folk progresivo. Sobre la cima también pululan la intensa “Helplessness Blues”, ese entrañable instrumental medieval llamado “The Cascades” o la luminosa “Lorelai”. “The Shrine/An Argument”, nada menos que ocho minutos y un sorprendente final con amasijo de saxos y violines, vuelve a sentenciar lo dicho más arriba: que el barco no se detiene en el puerto de Crosby, Stills & Nash, sino que sigue navegando hacia las islas vírgenes de The Incredible String Band.

Porque escuchar a Fleet Foxes es oír el canto de los pájaros del pasado. No, amigos, la historia no es de ahora, viene de mucho tiempo atrás: que quede claro. Ellos son solo emisarios de las voces que claman debajo de la tierra. Unos emisarios que se toman su trabajo en serio, poniendo el alma en cada acción. Música desde el corazón. Música que toca el corazón. La maza cae y restalla sobre la madera, y yo los declaro patrimonio universal. Será un enorme placer verlos en el Primavera Sound.

www.fleetfoxes.com

www.myspace.com/fleetfoxes

2011-05-11T18:53:00.008+02:00

CONCIERTOS

SOS 4.8. 2011

¿Qué hace una chica como tú en un sitio como este? (SÁBADO)

Segunda jornada de festival y la duda me reconcome desde bien temprano: ¿veremos a PATTI SMITH (foto 1)?. Un paseo hasta el recinto a la hora de la siesta. Allá está la cola frente al auditorio, mucha menos de lo esperado. Cuando la taquillera me hace entrega de la entrada tengo ganas de darle un beso. Conseguido. Porque lo que la mayoría de asistentes al festival no sabe (los que se quedaron fuera por mala suerte, desidia, ignorancia o desinterés) es que se perdieron lo mejor. Poco hace falta decir de ella. Yo ya lo dije casi todo tras su concierto del pasado año en Cartagena. Patti es la historia, pero no el pasado. Es un ancla en el presente, un libro abierto que todos deberíamos leer. Esta vez solo le hizo falta arropar su voz sin nombre con la guitarra de Lenny Kaye y el bajo de Tom Shanahan (éste realizando también pequeños escarceos al piano). Un mínimo esfuerzo para abrir el puño y soltar la magia. Porque esta mujer tiene algo de maga: seduce, hipnotiza y convence. Y tiene sesenta y tantos. A la cita no faltaron “Redondo Beach”, “Ghost Dance”, “Beneath The Southern Cross”, “Dancing Barefoot”, “Pissing In A River”, ni el “Helpless” de Neil Young, ni bromas ni dedicatorias a go-gó (a su marido, a Roberto Bolaño, a Severiano Ballesteros). Tampoco se echó de menos el fervor de la parroquia, de todas las edades, modas y colores, un ritual de entrega incondicional. Solo faltaba encadenar “Free Money”, “Because The Night” y “People Have The Power” (esta última con el cameo entrañable de Antonio Luque) para poner el auditorio del revés, y regresar a petición popular con la gasolina de “Gloria” y “Rock´n´Roll Nigger” para convertirlo en un volcán. Fuerza y emoción todo en uno. Punk y poesía de la mano. Qué grande eres, jodía.

Después de una experiencia así, ¿qué más da quién toque en el exterior?. Sonrisa en la cara, paz en el alma y ánimos arriba para toda la noche. Vamos a ver a WHITE LIES (foto 2), que alguna canción buena tienen aunque sean más de lo mismo: oscuridad pro-Joy Division. Y vaya si van de Joy Division: puesta en escena terrorífica (el negro impera) y poses muy Ian Curtis. Algunos desarrollos épicos impactan pero las dos más demandadas (“To Lose My Life” y “Bigger Than Us”) me dejan como un témpano. Cincuenta minutos escasos y adiós sin tocar la mejor, esa tremenda “Is Love” que hace días se me pegó a la piel como una camiseta mojada. Tras este aperitivo oscuro y sin cambiar de registro llegan EDITORS (foto 3). Hombre, cuánto tiempo sin verte, Tom Smith. Ahora quieren ser Depeche Mode. Duda: ¿cómo harán para combinar sus nuevas manías synth con los pepinazos de antaño?. Pues no les sale mal. Ese comienzo con la superlativa “Camera” (maqueada con teclados, eso si) ya me pone de buen humor. Se lo trabajan, Tom (con gorrilla poco o nada glamurosa) bascula entre teclas y guitarra y la mezcla queda decente. Hasta son capaces de hacer que una canción penosa como “Bricks And Mortar” suene bien. Con los ritmos pseudo-reggae de “Eat Raw Meat=Blood Drool” lo bordan. Aunque el más agudo frenesí viene de la mano de “The Racing Rats”, “Munich” y “Smokers Outside The Hospital Doors”: el pueblo ha hablado. Concierto de nota alta. Bastante alta.

A continuación toca el turno de los esperados SUEDE: un océano de nostalgia, un mar de dudas. Arrancan con “This Hollywood Life”, pírricos, incómodos, lejanos. Es como escuchar música bajo el agua. Faltan toneladas de volumen. Y a Brett Anderson, en efecto, ya no le sobra voz. Pero el tipo ha cargado bien sus pilas y se desgañita a la perfección en medio de ademanes saltimbanquis. “She”, “Trash”, “Filmstar”, “Animal Nitrate”, “We Are The Pigs”, “By The Sea” o “Killing of A Flash Boy” sacan los recuerdos de paseo. De repente me teletransporto, viajo en la máquina del tiempo hacia mi primer gran festival, el FIB del 99. Me veo allí, con doce años menos, enfrente de los Suede de entonces, volviendo a las creencias del brit pop. Todo es igual o al menos lo parece. Todo, menos nosotros. Doce años, Virgen Santa. No sé si siento añoranza, tristeza o rabia. Antes era menos gilipollas y más feliz. Con los ecos sibilantes de “So Young” me alejo y desconecto, confiando en que !!! (foto 4) me devuelvan a la realidad. “Strange Weather, Isn´t It?” quizá sea su disco más mediano, pero ni el tropezón ni las bajas han logrado hacer mella en su directo. Rehecha con piezas nuevas, la banda sigue funcionando como un reloj suizo. Ritmos negros como la pez, punteos imposibles, fogonazos de saxo y trompeta, música que explota en los oídos llevando el sistema locomotor a su máximo rendimiento. Y el espectáculo aeróbico de Nic Offer, como siempre, de traca. Momentos febriles: la fusión de “Jamie, My Intentions Are Bad” y “Must Be The Moon”, el espasmo interminable de “Me And Guiliani Down By The School Yard” (“churuchuchuuu, churuchuchuchuchu” es ya el grito de guerra en sus conciertos) y la fibrosa “Heart of Hearts”. Fin del SOS 4.8 2011 (con permiso de Tiga).

POSTRE DOMINGUERO: La moda de los conciertos matutinos urbanos sigue cobrando protagonismo en muchos festivales. En este el lugar es la Plaza de las Flores. Los Últimos Bañistas y Mujeres pusieron sintonía a la hora del tapeo el sábado, pero no estuvimos. Sr. Chinarro y Standstill lo hicieron el domingo. Al set del sevillano no hubo manera de llegar. Sí al de STANDSTILL (foto 5): lección aguerrida de rock en las entrañas. Nunca es tarde para la música nacional si la dicha es buena.

2011-05-10T19:23:00.007+02:00

CONCIERTOS

SOS 4.8. 2011

¿Qué hace una chica como tú en un sitio como este? (VIERNES)

Pues eso: ¿qué hace una chica como yo en el SOS 4.8, un festival lleno de pop, electrónica, grupos españoles y veinteañeros ultramodernos?. Pues tiene su explicación. Una explicación con nombre y apellido: Patti Smith. ¿Y qué hace una señora como ella en un sitio como este?. Pues también es algo extraño y misterioso, aunque digno de brindis. Su programación en el Auditorio hizo que dejáramos la copa aparcada, a expensas de una suerte invocada día y noche (cataclismos como el de PJ Harvey y John Parish hace dos años no se olvidan). ¿Y hubo brindis al final?. Suspense, más adelante se verá.

Por lo pronto, hay que dedicar un mensaje de reconocimiento para un festival al que se atisba largo recorrido. Sin juzgar la mayor o menor tirada de sus grupos en cartel y una filosofía sostenible no del todo puesta en práctica, el SOS 4.8 se ha convertido en un evento con pedigrí. Dicen que la calidad organizativa de un festival se mide por la longitud de sus colas. Pues bien, empleando este parámetro la edición 2011 del SOS se cierra con nota alta.

El viernes empieza con THE KOOKS en el escenario Estrella Levante, vislumbrados en lontananza y con toda una congregación de chavalería desmelenada a sus pies. No son un grupo del que una pueda opinar, así que ciñámonos a las opiniones escuchadas: desempeñaron bien su rol de nuevo fenómeno british. A continuación y en el otro escenario (Jägermeister, bien, lo he logrado escribir del tirón) arrancan TRIÁNGULO DE AMOR BIZARRO, con algo así como disculpas por la ausencia de uno de sus miembros. Ruido, mucho ruido. Me acuerdo del temible Kevin Shields y tiemblo. Huyo. Y me sitúo en el lugar adecuado para ver a YANN TIERSEN (foto 1), la segunda razón para estar en Murcia este fin de semana. El galo ofrece su clásica lección de elegancia y eclecticismo, reivindicando a los grandiosos Neu! en su camiseta. Pero ni es el momento ni es el lugar. Su música demanda otros espacios, mayor intimidad y concentración. Ni siquiera esas románticas gotas de lluvia mal caídas logran acomodar los sentidos a unas canciones llenas de matices y adornos que acababan expiando en el cielo encapotado. Su último disco tiene el protagonismo adivinado: suenan una recargada “Dust Lane”, la hermosísima “Dark Stuff”, “Ashes”, “Palestine” (menos cruda, más bailable) y “Fuck Me”. Y tampoco falta su punto fuerte, ese virtuosismo violinístico llevado hasta el infinito en la más que familiar “Sur Le Fil”. Bello concierto pero lejos de la tierra. Con sus últimas notas emprendemos la carrera para empaparnos de ARIZONA BABY (foto 2) y me deleito en el camino con los últimos coletazos de “Dirge”. Después me rebozo en arena del desierto (“A Tale of The West”, “Ouch”), veo a Kraftwerk luciendo sombrero vaquero (“The Model”, nada menos) y aspiro con fruición el aroma a whisky tabernero de “Shiralee”. Camino hacia delante mientras otros caminan hacia atrás (hacia Vetusta Morla, que les cunda) y llego hasta los pies de estos tres barbudos que me tienen sorbido el seso y que todavía me regalan “Everything”, “Muddy River”, “X´ed Out” y alguna cosa nueva. Alabado sea Johnny Cash: estos no vienen de Pucela, sino del puñetero cielo.

Pausa, cena, un pequeño respiro. VETUSTA MORLA tocan a lo lejos pero no, gracias. Aunque he decidido integrarme en este ecosistema que no es el mío existen ciertos límites. Y además, alguien me sopla al oído que su nuevo disco es un tostón descomunal. No pienso comprobarlo. En su lugar cedo, me dejo engañar (porque no hay nada mejor que hacer) y me sumerjo en la marabunta de TWO DOOR CINEMA CLUB. Craso error. Dicen: actualmente, el grupo más molón del planeta. Digo: otra taza más de rock bailable facilón (es lo más sutil y fino que se me ocurre). Dos canciones y media y segunda gran huida de la noche. Tras deambular un rato llega la hora de MGMT (foto 3), otro plato apetecible. Su escenografía con proyecciones psicodélicas multiplica el olor a sixties por tres. Suenan como recién salidos de la caja del CD. “Time To Pretend” llega demasiado pronto y un poco floja de revoluciones, justo después de “It´s Working”. “Oracular Spectacular” se deja ver más que “Congratulations” en la primera mitad. No faltan los geniales y espídicos homenajes a Brian Eno y Dan Treacy. Con dos bemoles atacan los 12 minutos de “Siberian Breaks”, logrando que los ánimos hagan catacrack y se desplomen. Sospecho que la gente solo los quiere por sus hits, pues los rostros cambian al comienzo de esa pegadiza tonadilla de patio de colegio llamada “The Kids”, que luce nuevamente en conserva. Exquisitos pero algo sosos. Y yo, que no soy de DJs ni madrugadas como no sea con muchas copas, acabo embutida en un fin de fiesta inesperado con THE BLOODY BEETROOTS DEATH CREW 77 (foto 4), implicada en esa sesión bizarra de techno duro, hardcore y pesadilla en Elm Street, rendida al ritmo de estos tíos demenciados con caretas que acaban de liarla parda en el Estrella Levante, y alzo los brazos y muevo el esqueleto como si no hubiera mañana. Pero sí, sí que hay mañana. Mañana toca la más grande. Así que, hala, a sobar.

2011-05-04T16:29:00.003+02:00

CANCIONERO

THE UNITED STATES OF AMERICA. The Garden of Earthly Delights.

La canción que nos ocupa esta vez llevaba varios meses esperando en la retaguardia silenciosa, haciéndose presente a horas intempestivas, emergiendo desde la base del cráneo a intervalos de dos o tres días. Algo quiere decir. Quiere decir que hay que escribir sobre ella. “The Garden of Earthly Delights” merece un apéndice, por modesto que sea, en este blog. Una de las mejores canciones psicodélicas de todos los tiempos, firmada por una de las mejores bandas psicodélicas del universo. The United States of America tuvieron una vida efímera y un solo LP en el mercado pero su influencia en el rock (y otras artes) del futuro resulta incuestionable.

La canción reúne en escasos 2 minutos y 39 segundos todas las virtudes de los grandes himnos psicodélicos de los 60, ese sonido tan característico que aportaban bandas como Jefferson Airplane, Strawberry Alarm Clock, Shocking Blue o Quicksilver Messenger Service. Humaredas de teclados, guitarras que lo parecen pero no lo son, artefactos futuristas, una letra cargada de surrealismo, un estribillo de bandera y la sensual voz de Dorothy Moskowitz. La escucharás, la heredarás y ya no podrás quitártela de la cabeza. Te engullirá como un león hambriento. Secuestrará tus oídos como secuestró tus ojos el homónimo cuadro de El Bosco.

THE GARDEN OF EARTHLY DELIGHTS

Poisonous gardens, lethal and sweet,

Venomous blossoms

Choleric fruit, deadly to rip.

Violet nightshades, innocent bloom,

Omnivourous orchids

Cautiously wait, hungrily loom
You will find them in her eyes,

In her eyes, in her eyes.

Petrified willows, twisted and brown

Carrion swallows

Wait in the wet darkening room

Withering shadows, quietly grow

Potently breeding

Into a spectacular glow
You will find them in her eyes,

In her eyes, in her eyes.

Lemonous petals, dissident play,

Tasting of ergot,

Dancing by night, dying by day.

Blackening mushrooms drink in the rain,

Sinister nightblooms

Wilt with the dawn's welcoming pain.

You will find them in her eyes,

In her eyes, in her eyes.

www.myspace.com/byrdmoskowitz

2011-05-01T19:15:00.002+02:00

DISCOS

ANNA CALVI. Anna Calvi.

Ha nacido una estrella.

Dicen que no hay que dejarse llevar por las apariencias: la portada de este disco es tan horrorosa que mata de entrada el picor de la curiosidad. Sin embargo el dicho es real: detrás se esconde una de las grandes revelaciones del año. A base de leer impresiones a uno le entra el hambre. Y no solo impresiones de calle, sino también las de doctores de la iglesia como Brian Eno. Él definió a Anna Calvi como lo mejor que ha existido desde Patti Smith. Tomo nota. Luego llega Nick Cave y la ficha como telonera para Grinderman; y lo que el australiano dice va a misa. Después se destapan sus colaboraciones con el sin igual Johnny Flynn y ya no hay escapatoria. Hay que darle una oportunidad. Descubrir su álbum de debú (tras su revisión del clásico “Jezebel”, retomándolo justo donde lo dejaba el gorrión Edith) ha sido descubrir otra supernova en el firmamento.

Excelente guitarrista y mejor cantante, la londinense ha entrado por la puerta grande en el club de los artistas con dominio registrado. Los simbólicos acordes a lo Ry Cooder de “Rider to The Sea” ya anuncian que esto se sale de lo común. Y en efecto, esta dama es un torbellino de carácter: su sonido bascula entre lo fiero y lo susurrante, lo barroco y lo minimalista, lo fulgurante y lo tenebroso. Un sonido que a menudo alcanza voluptuosidades new wave, también amparado por géneros clásicos como el country o el blues. Una mezcla fascinante y difícil de encasillar, casi en la onda de una de sus almas gemelas artísticas: PJ Harvey. Está claro que el camino para igualar a Polly es largo y sinuoso, pero entre ambas hay muchas similitudes aparte de una versatilidad asombrosa, una voz de quitar el hipo y una producción común (la de Robert Ellis): “No More Words”, “The Devil” y “I´ll Be Your Man” son tres muestras que lo corroboran. Tampoco son banales las comparaciones con la dama negra por antonomasia Siouxie Sioux, y así lo demuestran las excitantes “Suzanne and I” y “Blackout”. Y si Eno menta a Patti Smith como referente, “Desire” delata conexiones asombrosas con la madrina del rock y su mítico “People Have The Power”. Por cierto, el propio Brian Eno pone su voz al servicio de la prometedora principiante en esta canción y en “Suzanne and I”.

Con influencias variopintas y multidisciplinarias que van de Nina Simone al cine de David Lynch, Anna Calvi consigue crear un mundo paralelo con su propio decorado. Un espacio de sombras, polvo, terciopelo y carmín que pone los pelos de punta. Uno de los discos más apasionantes y pasmosos de 2011.

www.annacalvi.com

www.myspace.com/annacalvi

2011-04-28T18:40:00.041+02:00

REPORTAJES

COSAS QUE LOS NIETOS DEBERÍAN SABER (POR MARK OLIVER EVERETT)

La música es la salvación.

Cuando oigo un disco me emociono. Cuando leo un libro vuelo. Y cuando se juntan ambas disciplinas en la misma cosa llego a lo más parecido al nirvana.

En mis manos aterrizó hace poco “Cosas que los nietos deberían saber”. O la autobiografía de Mark Oliver Everett, también conocido como E, o como el barbudo y peculiar líder de Eels. ¿Por qué será que la biblioteca pública se ha hecho eco de este libro y que durante cuatro o cinco largos meses ha estado ininterrumpidamente no disponible, prestado o reservado?. Al carajo, gastemos el dinero. El brillante prologuista Rodrigo Fresán argumenta que este es “el mejor libro de autoayuda que no intenta ayudar a nadie pero que lo consigue casi sin proponérselo”. Y cuánta razón tiene. También podría definirse como “el libro que te hace recuperar los discos de Eels del fondo del armario” o “el libro que hace que quieras quedar con el señor E para tomar unas birras y charlar de todo menos de fútbol”. Porque no se puede negar que este es un libro escrito a corazón abierto, sin pelos en la lengua, sin remordimientos y, sobre todo, sin ínfulas literarias. Ya argumenta el protagonista sentirse algo incómodo tratando de publicitar la vida de un ser apenas importante, pero ahí está el quid de la cuestión: también a los menos importantes les suceden cosas, también necesitan ser escuchados, también tienen derecho a entrar en la leyenda. Y tras leer estas páginas tengo mis dudas: ¿será Mark Everett recordado por su fabulosa obra musical o por su abrumadora sinceridad escribiente?. De momento, sus memorias contribuyen a un extenso conocimiento de su persona y un mejor conocimiento de su obra, convirtiéndose en un anexo de 200 páginas que añadir a su discografía. De hecho está pensado para eso, para ocupar su lugar justo detrás de la última canción de “Blinking Lights And Other Revelations” (2005), curiosamente bautizada con el mismo título, como un bonus track no solo para el álbum en cuestión sino para todo un legado creativo.

La historia contada es bien sencilla. Alguien dijo que para ser artista hay que estar un poco loco y llevar una vida muy perra. Y digamos que E cumple los dos requisitos. Sin atisbo de vergüenza o autocompasión, el libro narra el desarraigo de su vida familiar, una niñez vacía, una adolescencia perdida, veleidades y búsquedas personales, la maldición de la muerte prematura, el descubrimiento de la música como medicina, el principio de un camino con final soñado pero incierto, y por supuesto, la suerte. Un argumento tradicional: joven desorientado quiere ser músico, se cuelga la mochila en busca de aventura y acaba tocado por una varita mágica. Pero ese joven palurdo de Virginia que conduce hasta Los Angeles queriendo grabar un disco, y que al cabo de unos años se encuentra coincidiendo y codeándose con gente como Neil Young o Tom Waits, no es el típico ceniciento. No, Mr. E es un tipo hecho de otra pasta y su diferencia (e integridad) se resume en actitudes como rechazar la venta de su música para anuncios publicitarios o reflexiones como esta: “La supuesta cultura alternativa trajo consigo una fea constatación: en realidad no era alternativa en absoluto. Estaba a la venta, igual que cualquier otro producto comercial. Era una rebelión en contra de nada”. Un valiente anatema, una gran verdad dicha con todas sus letras.

Y es que la de nuestro protagonista no es una historia novedosa. ¿Cuántas veces hemos asistido a la leyenda de almas masacradas por la tragedia que vierten sus angustias en la música, que combaten los demonios en forma de hermosas y desgarradas canciones?. Se me ocurren varios nombres. Pero claro, aquí hablamos de E porque él es quien se acaba de atrever (bueno, se atrevió en el 2009, el tiempo vuela) a contárnoslo todo a la cara, no solo a través de poemas musicales de dudoso parentesco con la realidad. Este es un libro que nos narra sus miserias, pero también un libro que, con un estilo libre, desafectado y ligero, expone la forma en que esas miserias se vuelcan en su música. Cómo nació su composición compulsiva (siempre maquinada en sótanos y rincones hogareños), el significado y el por qué de muchas de sus extrañas y extravagantes letras, la a veces incomprendida versatilidad de sus shows en directo. Y sobre todo, su decente y loable cruzada en pos de la pureza del arte, de la pureza de sus discos, incorruptibles e intocables por la sucia mano de la avaricia.

Este es un libro tan sincero y delicioso, tan capaz de hacer reír y llorar casi al mismo tiempo, que es imposible vencer la tentación de recuperar a Eels, sintonía de cabecera hace algunos años e inexplicablemente olvidados después, haciendo desfilar de nuevo por el reproductor todos esos discos cuya génesis es descrita por el autor en estas conmovedoras páginas.

PRIMERO: “Beautiful Freak” (96), su boom de elevación a portadas, teles, radios y convites, basado en anécdotas adolescentes, con aquellas asombrosas “Novocaine for The Soul”, “Susan´s House” o “Beautiful Freak” que nos revelaban el secreto de un nuevo Beck haciendo travesuras con raros cachivaches.

SEGUNDO: “Electro-Shock Blues” (98). Han tenido que pasar trece años para valorarlo en su justa medida; pues en este disco se vierte toda la angustia del E machacado por la soledad y los desastres. Por eso resulta un trabajo tan cohesionado y solemne, máximamente sofisticado en momentos como “Cancer for the Cure”, “Hospital Food” o “Efils´God” y con múltiples referencias a la muerte.

TERCERO: “Daisies of The Galaxy” (2000), todo delicadeza y sosiego, atestado de canciones bellas y aparentemente inofensivas pero boicoteado en la campaña presidencial del innombrable Bush hijo como exponente del antidecoro y la corrupción juvenil. De risa.

CUARTO: “Souljacker” (2001), una contundente vuelta de tuerca a su sonido, compuesto a pachas con John Parish, con antologías como “Souljacker Part I” y “Jungle Telegraph” y de muy difícil trago para su discográfica.

QUINTO: “Shootenanny!” (2003), mucho más llano y asequible, compuesto por accidente durante el sutil proceso creativo del disco siguiente en cronología e inspirado por el alma del mismísimo Muddy Waters. Aceptado sin esfuerzo por directivos, crítica y underground, y nominado para los premios Shortlist.

SEXTO: “Blinking Lights and Other Revelations” (2005), la para muchos “gran obra maestra” de Mr. E, disco doble con 33 canciones y una barba ya consolidada. Línea de salida para su arrebato de necesaria sinceridad y nueva hoja de ruta para una carrera que continúa incansable.

Después ha habido otros tres discos más pero la revisión construida aquí se detiene en su libro. Un libro que tardará en ser olvidado, lleno de marcadores de colores (que quizá nunca despeguemos) puestos a conciencia sobre los pasajes más profundos como un arco iris de esperanza. Porque la historia de E no es sensacionalismo sino realidad. Y en efecto, una ayuda mágica para afrontar los días con otro color de cara y otra perspectiva. Como él mismo piensa: “Estamos todos bien jodidos, y no hay mayor verdad que ésa. Todos tenemos alguna historia bien jodida en nuestras vidas, y no hay nadie viviendo el cuento de hadas que la tele nos hizo creer que viviríamos de mayores cuando éramos pequeños””. Es triste pero justo recordarlo. Y seguir adelante. Aunque no sepamos qué va a suceder a continuación.

http://www.eelstheband.com/

www.myspace.com/eels

2011-04-26T12:43:00.007+02:00

CANCIONERO

SCOTT McKENZIE. San Francisco.

Cuando uno se pone a grabar un recopilatorio de los 60 (y digamos que yo suelo hacerlo a menudo), hay canciones que por h o por b nunca fallan. Y “San Francisco” es una de ellas. Quizá porque abraza los sonidos y la mentalidad de la época con una precisión excepcional. Quizá porque es el himno hippie por antonomasia y en el fondo somos lo más parecido a lo que fueron los hippies por aquel entonces, salvando las distancias. Quizá porque el tema está dedicado a una de esas ciudades que siempre quisimos visitar y que probablemente nunca veamos. O quizá solo porque “San Francisco” es una canción enormemente hermosa, de esas que se pueden cantar sin miedo a ofender a nadie aunque en su tiempo no fuera precisamente inofensiva.

John Phillips (The Mamas & The Papas) la compuso en 1967 para McKenzie, y el cantautor de Florida la interpretó muchas veces delante de jóvenes que querían cambiar el mundo. Hoy la seguimos entonando, con viejas guitarras delante de frías cervezas, aunque lamentablemente sabemos que el mundo es difícil de cambiar al haberse corrompido demasiado. Tuvimos la ocasión de hacerlo antes, pero ahora ya no hay marcha atrás.

SAN FRANCISCO

If you're going to San Francisco

Be sure to wear some flowers in your hair

If you're going to San Francisco

You're gonna meet some gentle people there

For those who come to San Francisco

Summertime will be a love-in there

In the streets of San Francisco

Gentle people with flowers in their hair

All across the nation, such a strange vibration

People in motion

There's a whole generation with a new explanation
People in motion, people in motion

For those who come to San Francisco

Be sure to wear some flowers in their hair

If you come to San Francisco

Summertime will be a love-in there

If you come to San Francisco

Summertime will be a loving day

www.scottmckenzie.info

2011-04-23T10:44:00.003+02:00

DISCOS

BILL CALLAHAN. Apocalypse.

Con nombre y apellido.

A la hora de hablar de Bill Callahan a uno se le llena la boca de palabras mudas, pues de hecho estamos ante uno de los cantautores más prolíficos y solventes de nuestra era, portador de una de las voces más subyugantes y de una de las líricas más profundas y aleccionadoras de la americana actual. Su tercer trabajo bajo su nombre y apellido se llama “Apocalypse” (2011, Drag City). Y si el apocalipsis finalmente será de esta guisa, no hemos de preocuparnos por las fatídicas profecías.

Con este disco Callahan vuelve a reponer el vaso de licor amargo que nos ofrecía bajo el alias Smog. Los anteriores “Woke On A Whaleheart” (2007) y “Sometimes I Wish I Were An Eagle” (2009) abrieron las ventanas para que entrara aire puro, logrando una exuberancia conseguida con arreglos de cuerda y viento al libre albedrío de la imaginación. Sin embargo, en “Apocalypse” el discurso descansa sobre estructuras más simples, dejando el ornamento para otro día, para otro rato. Solo pequeños flashes de violín, travesera o piano y las percusiones justas caen sobre las canciones como gotas de rocío mañanero. De nuevo tenemos a la vista al Bill más sombrío, introspectivo y penetrante. Ese soberbio crooner capaz de enderezar los sarmientos con solo un fraseo, una oda titubeada, una sentencia firme.

“The real people went away, I´ll find a better way someday” se escribe en la primera página de un nuevo libro (esta vez limitado a siete escasos capítulos) sobre el amor y el desamor, el hogar y la huida, el éxito y el fracaso, la naturaleza y el espíritu. Asuntos recurrentes en la temática del autor, tratados con una maestría propia de los mejores poetas contemporáneos. Porque insisto: la música de Callahan es como un pedazo de tierra salvaje rezumando, pero lo que la mitifica son esas palabras, urdidas con inteligencia y dictadas con parsimonia. Con pocos músicos sucede algo parecido: que el lenguaje verbal alcance, que no doblegue, al musical.

Y en el ámbito musical el de Maryland consigue mantener el altísimo nivel de siempre. Presentando sus respetos a los mitos y a la historia (respetos al blues en “Baby´s Breath”, respetos al jazz en “Free´s”) como buen conciudadano americano. Y precisamente a la patria dedica la mejor canción del álbum, posiblemente una de las mejores de su carrera: “America!” nos deja atónitos por su contundencia funky, su letra pegajosa y encriptada y porque, por fin, sí, es verdad, no estoy mintiendo…. Bill Callahan ha conseguido que el mundo acabe bailando sobre la palma de su mano.

www.myspace.com/whaleheart

Léelo también en: MY FEET IN FLAMES

2011-04-20T13:34:00.003+02:00

DESCUBRIENDO A...

TAME IMPALA

El encuentro con Tame Impala ha sido algo irracional. Quizá por lo atractivo de su nombre, quizá por la refrescante portada de su debú o quizá por ser australianos. No hay que olvidar la categoría de muchas de las bandas que proceden de las Antípodas: AC/DC, Nick Cave & The Bad Seeds, Midnight Oil, The Church, Radio Birdman, The Saints, The Triffids, The Drones, Wolfmother o INXS. O quizá la culpa de esa conducta irracional la tiene “It Is Not Meant To Be”, la todopoderosa canción que abre el álbum. El caso es que “Innerspeaker” (2010) se ha convertido en uno de los discos más apelados de las últimas semanas. Sí, con un poco de retraso; a algunos nos es terriblemente peliagudo seguir el ritmo de la novedad.

La banda la componen tres jóvenes de Perth: Kevin Parker (guitarra y voces), Dominic Simper (guitarra) y Jay Watson (batería). Les acompaña un cuarto miembro, Nic Allbrook (bajo), en sus apariciones en vivo. Y al margen de las etiquetas que les han ido lloviendo desde su explosión (psychedelic groove rock, hypno groove y cosas por el estilo) su música es un laberíntico escenario de trémolos, reverberaciones y distorsión. Mucha psicodelia y un puntual sabor a vino viejo. Escucharlos es rememorar a The Jimi Hendrix Experience, Silver Apples o The Who, pero también a bandas más actuales como Deerhunter o Animal Collective. En directo también tienen su gracia. Ocasión de comprobarlo tendrán los que vayan este año al FIB.

http://www.tameimpala.com/

www.myspace.com/tameimpala

2011-04-19T09:16:00.003+02:00

DISCOS

LOW. C´mon.

Regreso al principio del camino.

La duda ha quedado resuelta: Low siguen hacia delante. O mejor dicho, Low vuelven al principio del camino. Después del rupturista y experimental “Drums And Guns” (2007) y de ver a Alan Sparhawk implicarse a fuego y sangre en su exitoso proyecto paralelo Retribution Gospel Choir, muchos nos preguntábamos por dónde transitarían los futuros pasos de la banda, incluso si habría más pasos; pues los hay. Lo que Dios ha unido que no lo separe el ruido; y afortunados somos porque el mundo no puede permitirse el lujo de prescindir de la música de Low, esa música para la vigilia, para las noches de insomnio, para mirarse hacia dentro.

En efecto, “C´mon” (2011, Sub Pop) retorna al sonido íntimo y austero de sus primeros pasajes, con una sobriedad que a veces se convierte en un exceso. Los tres movimientos iniciales resultan intachables y anuncian otro álbum para la historia: “Try To Sleep”, elemental en su forma y grata para el oído; la bellísima “You See Everything”, relanzada con toques orquestales; y la gigantesca “Witches”, sumida en una épica maraña eléctrica y con un banjo asomándose tímido por un costado. Sin embargo, a partir de “Done” la cosa se vuelve cambiante, irregular, fluctuando entre la algidez y el déjà vu forzoso. Historias como “Done”, “$20” o “Nightingale” las hemos oído otras veces, en algún otro disco. Y aunque el argumento no deja de ser estimulante, ya no emociona con la intensidad de la primera o la segunda vez. Sí que emocionan y mucho, casi hasta la apnea, los crescendos antológicos de “Majesty Magic” y “Nothing But Heart”. Y quizá sea esta última la canción crucial del disco, enmarcando ese don innato que tiene los de Duluth para el mantra, un hipnótico y abumador mantra (“I´m nothing but heart”) de más de seis minutos que entra en pugna con el hasta ahora insuperable “I am the lamb and I´m a dead man” -véase el álbum “Trust” (2002)-.

Aunque este sea un disco de idas y venidas, su cierre lo convierte en un dechado de dignidad. “Something´s Turning Over” aparca la solemnidad, revive las armonías risueñas y el lado más de carne y hueso de la banda, devolviendo el dulce sabor de boca del principio y dejando las esperanzas intactas. Nos vemos en el Primavera Sound.

www.chairkickers.com

www.myspace.com/low

Léelo también en: MY FEET IN FLAMES

2011-04-16T11:31:00.005+02:00

DISCOS

ALELA DIANE & WILD DIVINE. Alela Diane & Wild Divine.

Arte en familia.

Querida Alela, pequeña inquilina de los ríos y los bosques. Nos robaste el corazón con aquel gospel de piratas, con diamantes blancos, amores de madre, árboles alisos, sombras y hierba seca. Ahora has vuelto ¿y qué nos traes bajo el brazo?. El fruto de un trabajo en comunión. Decidiste de repente que no eras una sola alma, y ataste tu cabo con tiento al de los tuyos. Al de tus viejos amigos (Jason Merculief y Jonas Haskins), al de tu pareja (Tom Bevitori), al de tu padre (Tom Menig) y hasta al de un gato. Tú conviertes la música de nuestros tiempos en algo divino, ellos consiguen que suene salvaje. ¿Sabías que un tipo llamado Elvis Perkins hizo algo parecido a lo que tú has hecho?. Decidió dejar de ser un impar, poner una coletilla tras su nombre, abrir las alas y echar a volar.

Y mientras escucho la primera de las canciones, esa sorprendente “To Begin” (“it´s hard, it´s hard to help yourself when you don´t know where to begin” es una frase que me aplico) adivino que algo ha cambiado de verdad. Que el folk ha crecido ensachando su diámetro. Que la red ha cazado nuevos sonidos. Que el cuerpo se ha alimentado hasta la robustez. Aunque “Elijah” vuelva al cauce desnudo y simple de los discos del pasado, la primera impresión es la que vale. Y en efecto, tu tercer disco habla otros idiomas. Jamás conseguiré desligarte del influjo de aquellas voces, de June Carter, Joni Mitchell, Joan Baez y Vashti Bunyan, nombres que probablemente a ti te suben los colores y frente a los que no tienes nada que temer. Pero ahora también escucho ecos de otros lugares: escucho el eco de Lynyrd Skynyrd en “Of Many Colours”, el de The Doors en “Heartless Highway”, el de los hermanos Allman en “White Horse” o el de Neil Young en “Long Way Down”. Y finalmente acato la certeza de que ya no eres solo una cantautora folk: eres una mujer del rock.

El impacto de “The Pirate´s Gospel” (2006) y “To Be Still” (2009) fue instantáneo. He de serte sincera: he tardado en asimilar estas nuevas canciones. No quería que el campo se llenara de cemento, el agua de barcos ni el aire se volviera humo. Pero perseverando he llegado a entender que la fragilidad no es eterna. Y así rectifico y subrayo que este disco sigue teniendo muchas de las cosas que tenían los otros: la pureza que nos hace diferentes, la sensibilidad que nos hace humanos. Y en tu caso, la sabiduría que ojalá te convierta pronto en un clásico moderno.

www.aleladiane.com

www.myspace.com/alelamusic

Léelo también en: MY FEET IN FLAMES

2011-04-12T09:28:00.003+02:00

DESCUBRIENDO A...

MATT COSTA

Esta vez toca hablar de un descubrimiento de hace algún tiempo, digamos algo así como más de un año. Un rastreo por youtube buscando otras cosas nos hizo toparnos con la populachera “Miss Magnolia”, aireada en directo en el festival Lollapalloza en compañía de Elvis Perkins In Dearland. Suficiente credencial para quitar el pestillo y abrir las puertas del hogar a este joven californiano de ascendentes portugueses, tan bien dotado para moldear los sonidos americanos como su colega Elvis. Iniciado en los circuitos locales de su Huntington Beach natal, el salto a la vida pública musical acontece en 2003 de la mano de Tom Dumont (No Doubt). A partir de ahí nacen un par de EPs de corto alcance y tres álbumes: “Songs We Sing” (2006), rutilante y variopinta puesta de largo; el más trabajado y producido “Unfamiliar Faces” (2008), que con canciones como “Mr. Pitiful” o la mencionada “Miss Magnolia” lo colocan en primera línea de salida; y el absorbente “Mobile Chateau” (2010), que supone dar un paso hacia delante en su carrera dando un paso hacia atrás en el tiempo, al espíritu de los sesenta.

La música de Matt Costa podría englobarse dentro del saco sin fondo del folk, pero no del todo. Porque sus canciones tanto pueden beber de la bossa nova como del blues o del pop con la firma Brian Wilson. Etiquetas parte, está claro que lo que sale del coco de este tipo son canciones bien armadas, sólidas, perdurables, a la vez que divertidas. ¿O qué es “Cigarrette Eyes” si no una canción en mayúsculas?.

www.mattcosta.com

www.myspace.com/mattcostamusic

2011-04-06T12:57:00.003+02:00

DISCOS

R.E.M. Collapse Into Now.

En forma.

Y aquí están de nuevo R.E.M. Un icono universal, una leyenda en vida. Tan venerados en los circuitos independientes como en los más globales. Después de que “Reveal” (2001) y “Around the Sun” (2004) denotaran pequeños síntomas de agotamiento (normales por otra parte en carreras tan incansables y robustas), “Accelerate” (2008) vino a poner de nuevo las cosas en su sitio. Con este nuevo disco no hacen más que refrendar la recuperación, demostrando un estado de forma renovado para seguir caminando con pie firme hacia un futuro sin fecha de caducidad.

“Collapse Into Now” (2011) se mantiene en los márgenes, enmarcado dentro de lo que los de Athens han sabido y querido hacer siempre. Por ello muchas de sus canciones suenan ampliamente familiares, como fotografías sacadas de álbumes antiguos, como amigos reecontrados muchos años después. Está claro que ellos no pretenden cambiar, ni tampoco es necesario. Porque R.E.M. pertenecen a esa especie de bandas que pueden mantener un sonido durante décadas sin que sea atacado por las polillas. Da igual que las guitarras rujan guerreras como en “All The Best”, “Mine Smell Like Honey” y “Alligator Aviator Autopilot Antimatter”, o que el cuerpo se relaje como en las deliciosas “Überlin”, “Oh My Heart” o “Me, Marlon Brando, Marlon Brando and I”. De una manera u otra, R.E.M. suenan a R.E.M. Es decir, a música a salvo de la hoja sanguinaria del verdugo. Es decir, a la música de siempre, esa con la que nacimos, crecimos y, posiblemente, moriremos.

www.remhq.com

2011-03-31T14:09:00.004+02:00

DISCOS

CULT OF YOUTH. Cult of Youth.

Puzzle.

En un hospital de la Mancha de cuyo nombre no quiero acordarme, la compañía fortuita de Cult of Youth alivia las horas muertas. Extraña y contraindicada compañía, más infecciosa que antiséptica. Porque este es un disco que crea adicción y remueve el organismo. Desde otra mágica e inspirada habitación de Brooklyn, este cuarteto capitaneado por Sean Ragon se convierte a la vez en protagonista de revisión y descubrimiento. Aparecen en escena en el momento justo, aunque ya cuenten con algo de rodaje.

"Cult of Youth" (2011) ofrece el material ideal para jugar a los puzzles. Una mezcla bizarra pero perfectamente ensamblada de country and western, new wave y rock industrial. Poniendo la pica en el objetivo que muchos otros grupos actuales (y me vienen a la cabeza These New Puritans) intentaron sin éxito conquistar. Y de esa selección de recortes es posible reunir algunos grandes nombres para nada conectados, citándolos como cristalinas influencias. 1) The Cure: la sombra de Robert Smith hace su aparición en varios temas, pero explota en una "The Dead Sea" que atrapa enteramente el espíritu de "The Blood". 2) The Pogues: su personalísimo celtic folk, rememorado en los violines de Christiana Key. 3) Midnight Oil: acudiendo a la cita en algunos tempos y melodías, tan sofisticadas como oscuras. 4) Joy Division: la reencarnación del mismísimo Ian Curtis en las voces, igualando las cadencias y esa expresividad hermética del mancuniano. 5) Los Coronas: convidados sorprendentes del baile, imposible no acordarse de ellos en los estallidos vaqueros de "Monsters" y "Cold Black Earth". 6) Nick Cave & The Bad Seeds: fotocopiando la elegancia y la rabia febril del dandy australiano en cortes como "Casting Thorns".

Un amenazante son de tambor para empezar ("New West") y un estribillo muy indie para terminar ("Lace Up Your Boots"). Y entre medias un poco de todo lo ya mentado, amén de dos de las canciones más apoteósicas de lo que va de año: "Throught The Fear" y "The Lamb". La primera es un exquisito plato por el que hubieran pagado dinero Ian McCulloch, Morrisey, Julian Cope o cualquier nuevaolero de cuño. La segunda, una lección maestra de folk oscuro mutada en nube psicodélica al puro estilo Grateful Dead. Muy interesantes.

www.myspace.com/cultofyouthband

2011-03-21T19:54:00.003+01:00

CANCIONERO

GALAXIE 500. Blue Thunder.

El próximo 28 de mayo el bueno de Dean Wareham se subirá al escenario ATP del Primavera Sound para rescatar canciones de Galaxie 500. Ya lo viene haciendo en pequeñas giras en los últimos meses, junta a su esposa y últimamente partenaire artística Britta Phillips. Como materia prima, un legado musical breve pero de una belleza y emotividad inmensas. Lo que para algunos no dejará de ser un concierto anecdótico y revivalista más, para los amantes de las dos bandas en las que Wareham llevó la voz cantante durante casi dos décadas (Galaxie 500 y Luna) será un acontecimiento del que no perder ripio si las coincidencias lo permiten. Elevo mis plegarias al cielo pese a no ser demasiado religiosa. Rezo mis oraciones para que este concierto no coincida con los Neubauten, ni con Polly, ni con los Foxes, ni con “Rano Pano” ni con “Paris 1919”. Porque hace años “Blue Thunder” sembró una semilla y de ella creció un árbol. Y ahora llega el momento de regarlo otra vez. Porque si Dean rescata a Galaxie 500, prescindir de la canción que abría aquel superlativo “On Fire” (89) sería pecado mortal ¿no?. Querido Dean, dime que no faltará y me olvidaré de todo, y allí estaré. “I´ll drive so far away”.

BLUE THUNDER

Thinkin' of blue thunder

Singin' to myself

Thinkin' how fast it moves

Feelin' how it turns

I was singin' somethin'

Out on Route 128

Thinkin' how blue it looks

Singin' out aloud

My, my blue thunder

Singin' out aloud

I'll drive so far away

www.myspace.com/galaxie500official

2011-03-18T12:12:00.003+01:00

DESCUBRIENDO A...

MEGAFAUN

Siguiendo con la estela que dejaban Da Brasilians, llega otro hallazgo spotifysta en una onda similar. Me dicen por ahí que un día moriré de un ataque de folk, pero si es con canciones como “Kauffman´s Ballad” (Crosby, Stills & Nash en estado puro) no me importará. Megafaun son un trío de Durham, Carolina del Norte. Los hermanos Brad y Phil Cook y su amigo Joe Westerlund. Una banda constituida por una de las dos partes resultantes de la escisión de DeYarmond Edison. La otra parte era la formada por Justin Vernon (Bon Iver) en minoría. Caminos diferentes con un destino prácticamente común.

La música de Megafaun se asienta sobre cimientos folk con abundante dosis de banjo, pero se expande más allá. Hacia un espacio de curiosidad ilimitada, con arranques blues (“Solid Ground”) y country (“The Longest Day”), absorbentes suites multiinstrumentadas (“Impressions of The Past”), inesperados intrusismos electrónicos (“Darkest Hour”) o explosiones jazzísticas bizarras (“Comprovisation for Connor Pass”). Con tanta imaginación y culo inquieto es normal que acaben dentro del mismo saco que The Dodos o Akron/Family. Pero sobre todo, Megafaun poseen el don de sonar como la primera vez pero al mismo tiempo añejos. Clásicos y vanguardistas todo en uno. Agrestes y refinados en un mismo pack. Escuchándolos dan ganas de echarse al campo y trotar. Y comer brotes de hierba. Y abrevar en el río. Y mandar todo al carajo.

www.myspace.com/megafaun

www.megafaun.com

2011-03-17T13:41:00.004+01:00

AGENDA

FESTIVALES A LA VISTA

Como viene siendo habitual, estas fechas son muy dadas a hablar de festivales. Raro es el día en el que no nos despertamos con alguna nueva noticia sobre el particular. La cultura del festival se ha convertido en la cultura de moda, aunque a veces sea más una incultura como cualquier otra. Hay que ir a los festivales para ser moderno, para dejar claro que sabes de música más que el vecino. Y aquí habla una persona que en su día fue adicta a los festivales. Una persona con muchos a sus espaldas. Una persona que ha visto cómo algunos de ellos desechan de sus valores el mero hecho cultural, se centran en hacer caja y se pueblan de especímenes musicalmente neutros, convirtiéndose en meros circos y pasarelas. Una persona que, al fin y al cabo, este año se apuntará a alguno por puras ganas de volver a encerrarse en esa mágica burbuja en la que durante horas y horas solo existe la obligación de la música. Y como los festivales serán los reyes de la agenda en los próximos meses sin que se pueda hablar de otra cosa, dejémonos llevar por la corriente de actualidad. Ahí tenéis un resumen con los más destacados, en todos los rincones posibles. Elegid el vuestro pero elegidlo bien.

VINALOPOP: Elche (9 abril)
The Divine Comedy, The Charlatans, Fangoria, Apparat, The Wave Pictures, The Glimmers, James Walsh, We Are Standard, La Bien Querida, Supersubmarina, etc.

SOUTH POP FESTIVAL: Sevilla (15 y 16 abril)
La Bien Querida, Standstill, Manel, Ellos, Margarita, Single, Ornamento y Delito, Emilio José, Dënver, Mercedes Audras.

POLIFONIK SOUND: Barbastro-Huesca (21,22 y 23 abril)
Triángulo de Amor Bizarro, Maika Makovski, Delorentos, We Are Standard, Gentle Music Men, Standstill, The Pinker Tones, etc.

FESTIVAL DO NORTE: Villagarcía de Arosa (6 y 7 mayo)
Peter Hook, !!!, The Vaselines, London Guns, Triángulo de Amor Bizarro, Sexy Sadie, Delafé y las Flores Azules, Ellos, etc.

SOS FESTIVAL: Murcia (6 y 7 mayo)
Patti Smith, Suede, !!!, MGMT, Yann Tiersen, Editors, These New Puritans, Arizona Baby, White Lies, The Kooks, Tiga, Hola a Todo el Mundo, Lori Meyers, Second, Sr. Chinarro, Standstill, etc.

TERRITORIOS SEVILLA: Sevilla (20 y 21 mayo)
The Fall, The Divine Comedy, Asian Dub Foundation, Horace Andy & Dub Asante, Vetusta Morla, Klaxons, Tote King, La Mala Rodríguez, Sr. Chinarro, Russian Red, etc.

PRIMAVERA SOUND: Barcelona (25 al 29 mayo)
Grinderman, PJ Harvey, Belle and Sebastian, Pulp, Animal Collective, Sufjan Stevens, Mercury Rev, The Flaming Lips, John Cale & Band, Mogwai, Einstürzende Neubauten, Pere Ubu, P.I.L., Swans, Suicide, Fleet Foxes, Avi Buffalo, The Walkmen, The National, Low, M. Ward, The Jon Spencer Blues Explosion, Dean Wareham, Phosphorescent, Comet Gain, The Fiery Furnaces, The Album Leaf, Battles, Arto Lindsay, Autolux, Caribou, DJ Shadow, Echo & The Bunnymen, Twin Shadow, Interpol, James Blake, Half Japanese, Jason Collett, Julian Lynch, Kurt Vile & The Violators, Of Montreal, Papas Fritas, The Tallest Man on Earth, etc, etc, etc.

SONAR: Barcelona-La Coruña (16, 17 y 18 junio)
Aphex Twin, M.I.A., Cut Copy, The Human League, Underwold, James Holden, Janelle Monáe, Buraka Som Systema, Chris Cunningham, Yelle, etc.

AZKENA ROCK: Vitoria (23, 24 y 25 junio)
Ozzy Osbourne, Cheap Trick, Brian Setzer´s Rockabilly Riot, Eels, The Cult, Primus, Bad Brains, Reverend Horton Heat, Gregg Allman, Bright Eyes, Bad of Horses, The Avett Brothers, Arizona Baby, Atom Rhumba, Black Country Communion, etc.

DCODE MADRID: Madrid (24 y 25 junio)
Band of Horses, Eels, Kasabian, Crystal Castles, The Sounds, My Chemical Romance, The Vaccines, Lori Meyers, The New Raemon, L.A., Pollock, etc.

BILBAO BBK LIVE: Bilbao (7, 8 y 9 julio)
Coldplay, Amy Winehouse, Blondie, The Black Crowes, Beady Eye, Jack Johnson, The Chemical Brothers, Kasabian, !!!, Kaiser Chiefs, TV on the Radio, Crystal Castles, Russian Red, etc.

FIB: Benicasim (14, 15, 16 y 17 julio)
Portishead, Arcade Fire, The Strokes, Primal Scream, Arctic Monkeys, Mumford & Sons, Beirut, Brandon Flowers, Atom Rhumba, Elbow, Friendly Fires, Crystal Fighters, The Go! Team, The Stranglers, The Streets, The Juan McLean, Juana Molina, Julieta Venegas, Deerhoof, Anna Calvi, Grupo Salvaje, The Marzipan Man, The Morning Benders, Tame Impala, Nudozurdo, Lori Meyers, etc.

LOW COST FESTIVAL: Benidorm (21, 22 y 23 julio)
Mando Diao, Cut Copy, Crystal Castles, Ok Go, Maika Makovski, Standstill, Vetusta Morla, CatPeople, Sidonie, Sexy Sadie, Los Coronas & Arizona Baby, Sex Museum, L.A., Maga, Atom Rhumba, etc.

CONTEMPOPRÁNEA: Alburquerque (29 y 30 julio)
Sexy Sadie, Delafé y las Flores Azules, La Bien Querida, Xoel López, Standstill, El Columpio Asesino, Ellos, Triángulo de Amor Bizarro, Mendetz, Souvenir, etc.

SONORAMA: Aranda de Duero (11, 12, 13 y 14 agosto)
The Hidden Cameras, Los Campesinos!, Iván Ferreiro, Nacho Vegas, Dorian, Xoel López, Cat People, El Guincho, Amaral, Delorean, La Habitación Roja, Hola a Todo el Mundo, Mishima, Niños Mutantes, El Columpio Asesino, Second, La Bien Querida, Bigott, Triángulo de Amor Bizarro, Los Coronas & Arizona Baby, Nadadora, etc.

Para más información, todos los enlaces a las páginas oficiales en el apartado correspondiente, columna a la derecha.

2011-03-14T08:18:00.002+01:00

CONCIERTOS

JOAN AS POLICE WOMAN. Madrid. Joy Eslava. 11-3-2011.

Joan Wasser comienza a convertirse en una de nuestras visitantes ilustres, una cara familiar en nuestras salas de conciertos. Siempre en su agenda, siempre España. En esta ocasión tocaba presentar “The Deep Field” (2011), su último largo. Un disco en el que se aprecian variantes: menos intimismo, más expresividad. Ella misma afirma que deseaba cambiar. Que estaba harta de la melancolía, que le apetecía soltarse la melena y divertirse. Sin embargo y comparado con los anteriores, a este álbum le falta un punto de emoción, canciones catalizadoras como las que abundaban en “Real Life” (2006) y “To Survive” (2008). Visión personal: debe ser que en el fondo soy un poco triste.

Y aunque no había una ocasión anterior para poder comparar, esta mujer merece una genuflexión. Su aparición en formato trío, con apenas dos teclados, una guitarra, un moog y una batería como instrumental sugería algo liviano y anecdótico. Stop a la incertidumbre y a las primeras (erróneas) impresiones. Déjenla hacer y saldrán de dudas, embelesados y sorprendidos a la vez. Verán como, embutida en su mono de cuero, no es la femme fatal que aparenta. Verán como es la elegancia y la cercanía en persona. Verán como se deja la piel sin ambages ni aspavientos, elevando su maleable voz a los cielos, haciendo de la canción más intrascendente un monstruo de dos cabezas. Pues sí, “The Deep Field” no es un disco que quite el sueño, pero saborearlo en vivo reconduce las opiniones por el buen camino.

Y es que fue este nuevo trabajo el gran protagonista de la velada. Ni una sola quedó en el tintero. La pegadiza “The Action Man” dio el pistoletazo de salida, las grandes se hicieron gigantescas y las medianas crecieron hasta dar la talla. Entre las primeras destacaron “Flash” y “Forever and A Year”, con Joan a la guitarra. Ambas dibujaron a carboncillo dos de los momentos más intensos de la noche, abrigadas por solemnes penumbras y silencios devastadores. Entre las segundas sobresalen “Chemmie”, que quedó rubricada por un efectista crescendo a doble micro; “Run For Love”, que salvó su debilidad con duelo final psicotrópico de teclados; y “Nervous”, finiquitada con un muro de ruido incontestable. Y en los pequeños huecos dejados por las nuevas aparecieron las maduradas “Hard White Wall”, “Save Me” y “Eternal Flame”, contentando modestamente pero dejando con la miel en los labios a los muchos que pedían a gritos la amada y esperada “Christobel”. A cambio la mujer policía nos regaló su cambio más radical, una rockera y hasta la fecha desconocida “Say Yes” que puso fin al bis y al show. Un show sin peros, entretenido, cautivador y capaz de un logro extremo: el de machacar la adicción al cigarro durante casi dos horas que pasaron como el viento.

http://www.joanaspolicewoman.com/

Léelo también en: MY FEET IN FLAMES

2011-03-13T12:09:00.002+01:00

DISCOS

KURT VILE. Smoke Ring for My Halo.

Manjar de dioses.

Hace unos pocos años un jovencito decidió desmontar el statu quo de la música, convirtiéndose en hechicero. En su gran olla de hierro empezó a preparar una pócima especial, mezclando ingredientes selectos traídos de muy lejos. Semillas y hierbas que había comprado en los mejores mercados del mundo, visitados para la ocasión en sus innumerables aventuras de viajero precoz. Tras un mover y remover lento y concienzudo, el hechicero encontró el borboteo ideal, el punto exacto de emulsión, un elixir mágico para misántropos, escépticos e indolentes. Ese jovencito nació en Filadelfia, lleva el pelo largo y se llama Kurt Vile.

“Smoke Ring for My Halo” (2011) es su cuarto trabajo en solitario. Y hace el segundo para el sello Matador tras el fantástico “Childish Prodigy” (2009), auténtica revelación de una perspicacia desmesurada para manipular los patrones clásicos del blues, el rock y la psicodelia, adaptándolos a los tiempos sin mutilarlos. Con aquel disco, que asombró a propios y extraños y le hizo entrar por la puerta grande en el salón de los nuevos grandes talentos, Vile patentó su mezcla. Con este nuevo disco la comercializa y la vende al por mayor. Es un disco de creciente resistencia y cercanía, apto para un público más amplio. En él se echan de menos las armónicas y saxofones que arañaban los oídos en sus anteriores grabaciones, aunque la atmósfera sea igual de hipnótica y abrumadora. Y es que el también guitarrista de The War On Drugs no es solo mago, también ingeniero. Ha logrado diseñar un sonido propio, sin parangón, dejando una marca de agua inconfundible en sus canciones.

Bajo el peso de esas atmósferas sigue habiendo una ventana abierta a lo retro. Por ella se cuelan ecos de Neil Young, Jethro Tull, The Velvet Underground o Tom Petty, un superpoblado elenco de clásicos que inspiran y amparan el invento. Las guitarras son las reinas de la fiesta, ese fingerpicking divino y contagioso que llena a presión por sí solo temas como “Peeping Tomboy”. Quizá este álbum adolezca de un bombazo sobresaliente como aquel “Freak Train”, aunque buenas canciones no le faltan. “Society Is My Friend” podría ser la estrella, alcanzando un sonido mucho más comercial y actual, con una de las reflexiones más lapidarias de los recientes tiempos del rock: “la sociedad es mi amiga, me sumerge en un frío baño de sangre”. O la elegida como representante también podría ser “Jesus Fever”, toda una verbena de guitarras en constante celebración. “Puppet To The Man” sería otra de las grandes, la única en la que el geniecillo se electrifica en toda su potencia. “In My Time” es otro manjar para los dioses, idílica, dulce y lisérgica. De momentos más soñolientos también se alimenta el hombre, tal es el caso de “Baby´s Arms” (delicada canción de amor) y de su casi clónica “Runner Ups”. Por supuesto, tan excitante viaje no podría tener mejor clausura que la absorbente “Ghost Town”, toda una tesis sobre la textura del sonido, recordando por momentos los oscuros bodegones de Galaxie 500, Spacemen 3 o Slowdive.

Dicho todo lo anterior queda claro que estamos ante uno de los discos del mes, de la temporada y quizá del año. Dicho todo lo anterior queda claro que estamos ante uno de los músicos más interesantes y prometedores de nuestra era. Llenemos la copa pues de ese magnífico brebaje, alcémosla y brindemos. A la salud de los viejos que quieren ser jóvenes. A la salud de los jóvenes que quieren ser viejos.

http://www.kurtvile.com/

Léelo también en: MY FEET IN FLAMES

2011-03-09T16:25:00.002+01:00

DISCOS

RADIOHEAD. The King of Limbs.

La electrónica es el camino.

Lo han vuelto a hacer. Vuelven a desmarcarse por la banda. “In Rainbows” (2007) dejó el listón demasiado alto. Sin desterrar la inquietud vanguardista, aquel disco sugería una accesibilidad inédita durante años. Era un disco que jugaba con los sentidos hasta atraparlos en una red de complicidad. Fue la gran esperanza, la renovación de un amor rebajado con el tiempo a simple cariño. ¿Esperábamos algo similar?. No, no se puede esperar nada de Thom Yorke y los suyos, no hay reglas de comportamiento. Su expansión y autonomía creativa aún no han tocado techo. Desafiar las leyes del mainstream, de la industria y del universo se ha convertido en su cruzada particular, y a ella encomiendan su espíritu.

“The King of Limbs” (2011), al igual que su antecesor, vuelve a estrenarse evitando los habituales cauces comerciales. Eso sí, esta vez con un precio mínimo de salida. Un álbum que demanda paciencia e indulgencia. No es sencillo de digerir. Por momentos se aproxima más a aquel “The Eraser” (2006) en el que Yorke dejaba correr su vena electrónica más salvaje. Se trata de un paso más allá de la revolución perpetrada por “Kid A” (2000) o “Amnesiac” (2001), con la fuerte presencia de influencias dubstep o ambient house. La producción vuelve a quedar en manos del de siempre: Nigel Godrich.

Aunque no estemos ante un disco cómodo, aunque su primera parte abrume con una intensidad maniaca y metódica, con el paso de los minutos se balsamiza, simplificándose y aligerando la carga atmosférica inicial. Y uno puede acabar prendido de los hilos de “Bloom” o “Lotus Flower” pese a ser tan complejas. Sucumbir a las infecciosas líneas de bajo de “Morning Mr. Magpie” y “Separator” también es solo cuestión de tiempo. Más difícil es mantener el tipo frente a una droga tan dura como “Feral”. “Little By Little” y “Codex” saben como la herencia que dejaron los penúltimos Radiohead, los de “In Rainbows”. En “Give Up The Ghost”, con sampleado inicial de pájaros y árboles, la guitarra acústica sobresale por encima de lo demás. Y quizá sea ésta la canción que tiene la clave: digitalizarse no es deshumanizarse. “The King of Limbs” deja claro que la electrónica es el camino, pero que aún no se ha perdido el duende del pasado.

http://www.radiohead.com/

2011-03-08T11:51:00.002+01:00

DISCOS

EAST RIVER PIPE. We Live In Rented Rooms.

Después de otro largo invierno.

¿Que tenemos nuevo disco de East River Pipe?. Pues las noticias no podrían ser mejores. Porque aunque F.M. Cornog no se prodigue ampliamente produciendo materiales (mucho menos poniendo su música sobre un escenario) sus canciones siempre despliegan ese halo de lo bueno conocido, esa sutileza propia del cantautor de culto que de hecho es. “We Live In Rented Rooms” (2011) llega tras cinco años de silencio. Y llega con todos los honores. Con el sabor de lo predecible pero también de lo imprescindible. De esa música de autor con mayúsculas, que acaricia el oído, que contagia melancolía, que irradia realidad. Un enorme disco de la cabeza a los pies.

Grabado como siempre en la más hogareña intimidad, su sonido revela los secretos de la cotidianeidad. Y ya desde el principio, sorbiendo el embriagador licor que es “Backroom Deals”, uno intuye lo que debe haber más allá. La intuición no falla: he aquí una colección de composiciones inmensas, un desposorio entre John Lennon y Elliott Smith, entre Randy Newman y Jeff Tweedy. Melodías de perfección milimétrica que rozan en ocasiones lo sublime. Poniendo cada elemento en su lugar indicado, ese en el que debe estar y no otro: guitarras acá, pianos acullá, teclados y sintetizadores, xilofón. Inaudita belleza la de “Payback Time” que, si la justicia existiera, estaría el próximo diciembre entre las canciones del año. Sutil paisaje onírico el de “Summer Boy”. Exquisita elegancia impresa en “I Don´t Care About Your Blue Wings” y “When You Were Doing Cocaine”. Tristeza infinita susurrada con ecos de delay en “Conman” y revelada en versos simétricos en “Three Ships”.

La intuición no falla, insisto. ¿Cómo pudimos sobrevivir a estos largos y vacíos inviernos sin la música de East River Pipe?. ¿Cómo puede el mundo girar ajeno a la obra de este hombre?. Un hombre que sabe lo que es vivir acampado en los infiernos. “Ah, Dictaphone” y “Bring On The Loser” nos lo descubrieron y todavía golpean vívidas las neuronas pese al tiempo transcurrido. Por algo será.

www.eastriverpipe.net

Léelo también en: MY FEET IN FLAMES

2011-03-02T08:00:00.003+01:00

DISCOS

THE LOW ANTHEM. Smart Flesh.

Country en otra dimensión.

Con sus dos anteriores trabajos The Low Anthem pasaron casi de puntillas por el bien servido mundo de los nuevos valores country. Pues bien, este “Smart Flesh” (2011) merece algo de atención. Una atención que, minúscula al principio, va subiendo como la espuma a base de cavar hondo en ese solemne (a veces casi inerte) jardín que es su música. Porque a estos tipos hay que darles de comer aparte. Su minimalismo magistral logra lo imposible: texturas que conducen a inevitables episodios amnióticos. Y todos sabemos por intuición que en el útero materno no teníamos preocupaciones.

Este es un trabajo de bucolismo exacerbado, casi enfermizo. Solo en un par de ocasiones se atreven a romper el tempo, sugiriendo dos homenajes naturales: en “Boeing 737” lanzan el órdago a Bob Dylan y en “Hey, All You Hippies!” a The Band. El resto es un pasto de estructuras ingrávidas, un libro de hermosas oraciones entre las que destacan “Ghost Woman Blues”, “Apothecary Love”, “Matter of Time” o “Burn”. Hasta la instrumental “Wire”, simple partitura para clarinete, aporta su sentido en el dulce paraíso del embrión. Un disco tristemente contraindicado para este mundo terrenal; el mundo del estrés, el subterfugio y la materia.

www.lowanthem.com

www.myspace.com/lowanthem

2011-03-01T08:02:00.002+01:00

DESCUBRIENDO A...

DA BRASILIANS

El penúltimo descubrimiento musical del año viene de Francia, concretamente de la sugerente región de Normandia (Santi-Lô). ¿Por qué será que todas las reseñas sobre esta incipiente banda empiezan con el mismo chascarrillo de escasa originalidad (“Da Brasilians no son brasileños”)?. Pues claro que no lo son. Aunque tampoco se diría que son galos. Su música podría encuadrarse en la costa oeste americana. Sí, bingo, más folk sesentero para el body. Aviso a navegantes seguidores de Fleet Foxes: escuchen a este grupo.

Una forma de entender el folk nada pretenciosa: ni neo-folk, ni weird-folk ni paponada-folk. Solo folk simple y bien hecho, abundante en melodías que encandilan, instrumentos acústicos y excelentes armonías de voz. De entrada son capaces de evocar a clásicos como America, The Lovin´ Spoonful o Crosby, Stills & Nash, aunque también pueden girar y alcanzar un punto discotequero, como ocurre en “Greetings from America”. “Da Brasilians” (2010, Underdog Records) es hasta ahora el único material que podemos saborear de ellos, deseándoles de todo corazón mucha suerte y un largo recorrido. Canciones como “Shadows”, “About You”, “Ocean” o “Please Stay” alegran una tarde solitaria y lluviosa, aliviando cabezas sobrecargadas y narices moqueantes.

www.myspace.com/dabrasilians